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<filname="SURF-0,2-3476,1-0,0-1"> ¤ Cet automne, quatre festivals mettent la politique à l’honneur. Un engouement qui se confirme depuis quelques années en France.
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Quand le cinéma et les séries dissèquent les coulisses du pouvoir politique

Cet automne, quatre festivals mettent la politique à l’honneur. Un engouement qui se confirme depuis quelques années en France.



LE MONDE
 |    30.10.2018 à 14h19
 • Mis à jour le
30.10.2018 à 15h29
    |

            Sylvia Zappi








                        



                                


                            

« Je ne quitterai pas la scène sans être président. » La réponse de Kad Merad au Figaro.fr sur le devenir de la série Baron noir ressemble à des propos entendus dans les coulisses d’une vraie campagne électorale. L’acteur parle pourtant d’une fiction où le suspense repose sur les ressorts, les intrigues et coups bas du monde politique. Et elle n’est pas la seule. Le Bureau des légendes, qui met en scène les arcanes des services secrets français et des intérêts stratégiques hexagonaux, a démarré, le 23 octobre sur Canal+, sa quatrième saison avec un succès non démenti.
Le film politique serait-il en train de devenir une nouvelle passion française ? Quatre manifestations en font la promotion cet automne. Le Festival du film politique s’est terminé, samedi 27 octobre, à Porto-Vecchio (Corse-du-Sud). Politikos s’ouvre à Rennes le 1er novembre. François Hollande, Aurélie Filippetti, Hubert Védrine ou encore Jean-Louis Debré y débattront.
Deux autres manifestations sont prévues dans la foulée : les Escales documentaires à La Rochelle auront lieu du 6 au 10 novembre avec pour thématique « Filmer le politique » et le Festival international du film politique se déroulera à Carcassonne du 4 au 8 décembre.

« Moins d’inhibitions »
Les Anglo-Saxons se sont emparés depuis longtemps des intrigues et des codes du monde politique pour fabriquer des fictions. Une liste de films qui font référence en atteste comme le magistral Mr Smith au Sénat de Franck Capra ou Les Hommes du président d’Alan Pakula, sortis respectivement en 1940 et 1976. Les séries ont pris le relais avec une liberté de ton saisissante. D’abord la shakespearienne House of Cards diffusée au Royaume-Uni dans les années 1990 avant d’être reprise ensuite aux Etats-Unis. Puis The West Wing d’Aaron Sorkin qui raconte le quotidien à la Maison Blanche ou encore la danoise Borgen qui narre l’arrivée...




                        

                        


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<filname="SURF-0,2-3476,1-0,0-2"> ¤ Ils exigent des plates-formes américaines de streaming qu’elles respectent les accords collectifs, qui prévoient le versement de royalties, faute de quoi aucun contrat ne sera signé jusqu’à nouvel ordre.
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Les syndicats danois d’acteurs, de scénaristes et de réalisateurs s’opposent à Netflix et HBO

Ils exigent des plates-formes américaines de streaming qu’elles respectent les accords collectifs, qui prévoient le versement de royalties, faute de quoi aucun contrat ne sera signé jusqu’à nouvel ordre.



LE MONDE ECONOMIE
 |    30.10.2018 à 10h34
    |

            Anne-Françoise Hivert (Malmö (Suède), correspondante régionale)








                        



                                


                            

Face aux plates-formes américaines de streaming (lecture sans téléchargement) – dont, assurent-ils, l’intérêt pour leur pays les ravit –, les acteurs, scénaristes et réalisateurs danois n’ont vu qu’une solution : s’allier pour espérer se faire entendre. A en croire Benjamin Boe Rasmussen, le président du syndicat des acteurs, il y va de l’avenir du « modèle danois » de rémunération dans le cinéma et la télévision, tel qu’il est défini par les accords collectifs.
Mercredi 24 octobre, les trois professions ont fait savoir que si Netflix et HBO voulaient dorénavant recruter un acteur, un scénariste ou un réalisateur danois, elles devraient d’abord trouver un compromis avec l’organisation « Create Denmark », fondée en 2016 pour défendre les droits d’auteur des artistes nationaux. Pas question d’être les « ouvriers polonais » d’un secteur en pleine expansion, tonnent les syndicats.

En cause : le refus des deux mastodontes américains, impliqués dans plusieurs productions locales, de respecter le modèle de rémunération danois, qui combine salaire et royalties. « Au Danemark, nos cachets sont relativement bas, explique Benjamin Boe Rasmussen. Mais ils sont compensés par les droits que nous touchons ensuite sur chaque diffusion. » Acteur, il a figuré au casting de deux épisodes de la série The Killing, produite par la chaîne danoise DR. « Depuis, j’ai perçu l’équivalent de 130 % de mon salaire en royalties », précise-t-il.
A cela, Netflix et HBO opposent une fin de non-recevoir, exigeant l’application d’un système de « buy-out », qui prévoit, en plus du salaire, une avance sur droits, dont le montant varie de 15 % à 25 % du salaire initial. Une compensation jugée insuffisante par les syndicats, sachant que la somme des royalties touchée sur dix ans peut doubler le montant du cachet.
En place depuis des décennies, ce modèle a façonné l’écosystème danois, observe...




                        

                        


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<filname="SURF-0,2-3476,1-0,0-3"> ¤ L’acteur Rami Malek, qui incarne le chanteur de Queen, porte une biographie musicale sans audace.
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Article sélectionné dans La Matinale du 29/10/2018
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« Bohemian Rhapsody » : Freddie Mercury au bord de la canonisation

L’acteur Rami Malek, qui incarne le chanteur de Queen, porte une biographie musicale sans audace.



LE MONDE
 |    30.10.2018 à 06h36
 • Mis à jour le
30.10.2018 à 18h34
    |

                            Thomas Sotinel








                        



                                


                            

L’avis du « Monde » – pourquoi pas
Tout dépend de la place que Queen tient dans votre vie. Si, dans votre panthéon, le quatuor emmené par Freddie Mercury n’est qu’une divinité mineure, une bizarrerie dans l’histoire du rock, un groupe glam arrivé trop tard pour faire œuvre de pionnier – comme Bowie ou T. Rex –, devenu une machine à tubes et à remplir les stades à un moment où les Ramones et The Clash menaient le soulèvement contre le rock pompier, vous prendrez probablement un certain plaisir au spectacle de Bohemian Rhapsody. Ce long film est tour à tour artificieux, pompier, sentimental, séduisant, boursouflé, entraînant. Exactement comme Bohemian Rhapsody, plaisir coupable, éphémère et interminable (6 minutes), qui ne vaudra jamais la première mesure de Get It On.
Ce long film est tour à tour artificieux, pompier, sentimental, séduisant, boursouflé, entraînant
Le produit final, homogène, sans aspérité, ne révèle rien de la genèse tourmentée de la chanson. Mis en chantier en 2010 à l’initiative du producteur américain ­Graham King et de Jim Beach, qui fut le manageur de Queen, le projet fut d’abord élaboré autour de Sacha Baron Cohen, dont la ressemblance physique avec Freddie Mercury n’avait échappé à personne. Celui-ci devait être dirigé par Bryan Singer, réalisateur ­entre autres de Usual Suspects et de quelques X-Men.
Lorsque le comique a renoncé au rôle du chanteur de Queen, en regrettant publiquement que le scénario n’évoque pas la sexualité de Mercury, son fardeau a échu d’abord à Ben Whishaw, qui a également abandonné, et finalement à Rami Malek.
Changement de réalisateur
A la ville, ou dans le rôle principal de la série Mr. Robot, qui l’a rendu célèbre, l’acteur américain d’origine égyptienne ne ressemble guère au rocker d’origine indienne. Heureusement, Bohemian Rhapsody est assez bien financé pour s’offrir les services des meilleurs maquilleurs et prothésistes....




                        

                        


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<filname="SURF-0,2-3476,1-0,0-4"> ¤ Le festival DocLisboa, du 18 au 28 octobre, a témoigné de la vitalité du secteur, malgré un contexte difficile pour les auteurs.
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La résilience du cinéma portugais

Le festival DocLisboa, du 18 au 28 octobre, a témoigné de la vitalité du secteur, malgré un contexte difficile pour les auteurs.



LE MONDE
 |    29.10.2018 à 11h43
    |

            Clarisse Fabre (Lisbonne (Portugal), envoyée spéciale)








                        



                                


                            

Jamais, même dans ces dernières années où la politique culturelle fut des plus hasardeuses, le cinéma portugais ne s’est laissé abattre. Que la droite réforme son mode de financement et le laisse exsangue en 2012 – qualifiée d’« année zéro » – ou que les opérateurs du câble usent de leur pouvoir pour orienter les choix en 2014, les réalisateurs portugais ont su préserver leur « artisanat », si prisé dans les grands festivals étrangers. L’édition 2018 de DocLisboa, festival de films documentaires qui s’est achevé le 28 octobre, n’a pas dérogé à la règle : la compétition internationale comptait plusieurs premières mondiales, « signe que les cinéastes nous font confiance et veulent dévoiler ici leurs œuvres », se réjouit Cintia Gil, codirectrice du festival avec Davide Oberto.

Quant à la compétition de films portugais, elle portait la marque d’une résistance à l’industrie culturelle que promeut la gauche, au pouvoir depuis 2015. « Dans le budget culture présenté il y a quelques jours, le mot “tourisme” apparaît autant que le mot “cinéma”, poursuit Cintia Gil. L’idée de la circulation des films est corrélée au désir d’exporter une image du Portugal, et d’attirer des investissements. » Le codirecteur de DocLisboa ironise : « C’est comme une publicité, en moins cher ! On attend juste une véritable politique du cinéma… » Comme un clin d’œil, l’un des films de la compétition, Alis Ubbo, de Paulo Abreu, est une plongée hypnotisante dans la frénésie touristique de la capitale : omniprésents, les audioguides fournissent la bande sonore à cet étrange film en forme de clip.
La fréquentation en salle n’est que de 15,6 millions d’entrées pour 10,3 millions d’habitants
De fait, Lisbonne a changé. Le quartier tranquille où Joao Cesar Monteiro (1939-2003) a tourné son dernier film, Va et vient (2003), est devenu un lieu de promenade chic et branché avec son bar à glaces gastronomique, d’un...




                        

                        


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<filname="SURF-0,2-3476,1-0,0-5"> ¤ Le cofondateur de Terratreme et producteur de films d’auteur depuis 2000 revient sur la situation du cinéma portugais.
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Joao Matos, producteur : « Le public a perdu la culture d’aller en salle »

Le cofondateur de Terratreme et producteur de films d’auteur depuis 2000 revient sur la situation du cinéma portugais.



LE MONDE
 |    29.10.2018 à 11h42
 • Mis à jour le
29.10.2018 à 11h44
    |

            Clarisse Fabre








                        



                                


                            

Joao Matos, cofondateur de Terratreme et producteur de films d’auteur depuis 2000, déplore le rétrécissement du public portugais.

2012 a été « l’année zéro » pour le cinéma portugais, à court de financement. En six ans, la situation s’est-elle améliorée ?
Au Portugal, le cinéma est désormais financé par une taxe acquittée par les opérateurs du câble et les chaînes de télévision. Ceux-ci ont d’abord revendiqué un droit de regard en contrepartie de leur financement : en 2014, la commission chargée de sélectionner les films était sous l’influence de lobbys qui considèrent le cinéma comme un produit. La profession s’est battue pour que l’ICA, l’équivalent du Centre national du cinéma français, retrouve son indépendance et désigne les membres de cette commission. Mais nous devons rester vigilants. Par ailleurs, la politique de la télévision publique portugaise, la RTP, n’est pas lisible : une année, elle peut soutenir huit longs-métrages, et une autre, elle peut mettre 2 millions d’euros dans un seul projet.
L’argent de l’Etat ne suffit pas ?
Non, et nous nous tournons souvent vers des coproductions à l’étranger. Les films gagnent en visibilité dans les festivals. Mais cet artisanat prend du temps : un film de Tiago Hespanha, Campo, vainqueur du prix First Look à Locarno cette année, est en développement depuis 2014 et sortira en 2019. L’une de mes associées, Susana Nobre, qui est aussi réalisatrice, a travaillé comme formatrice auprès de demandeurs d’emploi pendant qu’elle tournait un documentaire sur les chômeurs, Active Life (2013) : son salaire lui a permis de finaliser son film.
Quelle est la visibilité de vos films au Portugal ?
Faible. Le public a un peu perdu la culture d’aller en salle pour les films d’auteur. Et l’école ne fait pas le travail d’emmener les élèves au cinéma. Avant, à Terratreme, on montrait nos films à des jeunes, dans...




                        

                        


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<filname="SURF-0,2-3476,1-0,0-6"> ¤ Le critique N. T. Binh et le scénographe Pierre Giner soulignent la nature d’un genre qui ne cesse de disparaître et de renaître.
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A la Philharmonie de Paris, l’essence de la comédie musicale

Le critique N. T. Binh et le scénographe Pierre Giner soulignent la nature d’un genre qui ne cesse de disparaître et de renaître.



LE MONDE
 |    29.10.2018 à 09h58
 • Mis à jour le
29.10.2018 à 12h22
    |

                            Thomas Sotinel








                        



                                


                            

De prime abord, le titre qu’a choisi l’écrivain et critique N. T. Binh, commissaire de l’exposition qui a ouvert le 18 octobre à la Philharmonie de Paris, pour célébrer le musical, fait un peu tiquer. En regardant le mur d’affiches qui accueille le visiteur, par exemple. West Side Story, Dancer in the Dark sont des tragédies. La Mélodie du bonheur et Cabaret se concluent sur le triomphe du nazisme… Reste qu’il est à peu près inévitable – à moins de bénéficier d’une santé morale hors du commun – de sortir de meilleure humeur de « Comédies musicales, la joie de vivre du cinéma » qu’on y est entré.
La débauche d’énergie que déploient les artistes à l’écran et les techniciens (le métier d’opérateur ne devait pas être de tout repos sous la direction de Busby Berkeley), le plaisir d’entendre les ­mélodies de Cole Porter, Leonard Bernstein ou Michel Legrand, de découvrir les dessins des costumes de Cyd Charisse pour Tous en scène (Vincente Minnelli, 1953) sont inévitablement contagieux. N. T. Binh fait remarquer que les seuls moments de bonheur du personnage qu’incarne Björk dans le musical de Lars Von Trier sont ceux où elle chante et danse.
Sur l’immense écran de 24 mètres de large autour duquel le commissaire et le scénographe Pierre ­Giner ont conçu l’exposition, une séquence vient donner raison au premier. Sur les panneaux centraux du dispositif, on voit Fred Astaire et Ginger Rogers danser Cheek to Cheek (extrait de Top Hat/Le Danseur du dessus, Mark Sandrich, 1935) ; presque insidieusement, viennent se glisser deux autres extraits. L’un de La Ligne verte, de Frank Darabont (1999) : on y voit un condamné à mort (Michael Clarke Duncan) demander comme ultime faveur de voir un film, le premier de sa vie, ce sera Top Hat, et des larmes coulent sur ses joues (un moment insupportable de sentimentalisme dans le film qui devient ici émouvant puisque parfaitement...




                        

                        


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<filname="SURF-0,2-3476,1-0,0-7"> ¤ Dans sa chronique, Emmanuelle Loyer assure que la démocratie fait de nous tous, citoyens égaux en droits, des concurrents dans une société désormais ultra-compétitive.
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« Faut-il créer des concours plus justes socialement ou se débarrasser du concours lui-même ? »

Dans sa chronique, Emmanuelle Loyer assure que la démocratie fait de nous tous, citoyens égaux en droits, des concurrents dans une société désormais ultra-compétitive.



LE MONDE IDEES
 |    28.10.2018 à 12h00
 • Mis à jour le
29.10.2018 à 10h02
    |

                            Emmanuelle Loyer (Historienne,  professeure d’histoire contemporaine à Sciences Po)








                        



                                


                            
Chronique. La scène est glaçante : plan large, caméra de surveillance, sur le vaste et informel hall de Villepinte (Seine-Saint-Denis) abritant, le temps d’une épreuve, les quelques milliers de carabins aspirant à devenir médecins, chacun devant sa petite table et face à son destin. Plus tard, une autre scène lui répond : le cinéma se fait alors peinture car c’est un tableau filmé en contre-plongée, nimbé de l’élévation d’une vocation. Autour de la table de dissection et du maître qui opère, les « troisième année » triés sur le volet recueillent la transmission d’un savoir médical comme au temps de La Leçon d’anatomie saisie par Rembrandt…

D’un côté, la masse anonyme des impétrants ; de l’autre, l’intimité familière des disciples. Entre les deux, le film de Thomas Lilti étire le temps de cette Première année des facultés de médecine – ici Paris-V-Descartes – ­violente et ritualisée, tout entière finalisée par le passage dans le chas du concours : beaucoup d’appelés (amphis bondés) et peu d’élus, environ un sur dix, ce qu’on ­nommait « décimer » pendant la Grande Guerre. Chose étonnante, la sortie du film a correspondu à la suppression officielle du numerus clausus qui en forme le nœud dramaturgique, le rendant immédiatement obsolète ou puissamment performatif selon les interprétations !
Cauchemar des étudiants, de leurs parents, de leurs grands-parents… le fameux numerus clausus fut établi en 1971 comme outil de régulation de la démographie médicale. Politiquement sensible – on est trois ans après 1968 –, ce contingentement par concours est rendu possible par l’alliance conjoncturelle d’un ordre des médecins, garant d’un certain malthusianisme bien entendu de la profession et de la médecine hospitalière qui, ­désormais, avec la suppression du concours de l’externat (en 1968) doit assurer la formation de tous les étudiants dans les centres hospitaliers universitaires.

Cela n’aurait pas suffi si...




                        

                        


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<filname="SURF-0,2-3476,1-0,0-8"> ¤ Les spectateurs du Monde Festival ont pu assister à une rencontre avec le cinéaste Robert Guédiguian, samedi 6 octobre, au Théâtre des Bouffes du Nord.
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<filname="SURF-0,2-3476,1-0,0-9"> ¤ A l’occasion du test de « Red Dead Redemption 2 », le chercheur en études cinématographiques Alexis Blanchet a répondu en direct à vos questions sur les liens entre jeux vidéo et cinéma.
<filname="PROF-0,2-3476,1-0,0-9"> ¤                     
                                                

« Rockstar restitue le cinéma hollywoodien sous une forme autant narrative que spatiale »

A l’occasion du test de « Red Dead Redemption 2 », le chercheur en études cinématographiques Alexis Blanchet a répondu en direct à vos questions sur les liens entre jeux vidéo et cinéma.



LE MONDE
 |    27.10.2018 à 19h04
    |

            William Audureau et 
Corentin Lamy








                        



   


Pixels a testé en direct durant dix heures Red Dead Redemption 2 (RDR2), la superproduction de Rockstar sortie le 26 octobre sur PlayStation 4 et Xbox One. Alexis Blanchet, maître de conférences en études cinématographiques et auteur de Des pixels à Hollywood répond aux questions sur ce jeu inspiré de la thématique des westerns.
Jean-Poire : S’il n’y avait pas cette skin cowboy, aurait-on l’idée de comparer ce jeu à un western ? Dans la grammaire, dans l’intensité, dans les missions, on a l’impression que ça n’a finalement pas grand-chose avec une expérience cinématographique de genre…
Alexis Blanchet : Probablement que la dimension diluée de l’expérience de RDR2 (on va et vient, on se perd, on digresse…) ne lui permet pas tel que nous y jouons ici d’atteindre la densité narrative d’un western ou plus généralement d’un film de genre d’action. J’entends autour de moi, ici à Pixels, des références à Skyrim, Breath of the Wild, Assassin’s Creed Odyssey, mais peu à Call of Juarez, Outlaws, Mad Dog McCree. Le genre vidéoludique (bac à sable, monde ouvert, « GTA-like »…) l’emporte en fait très largement sur le référent thématique, le genre cinématographique western, duquel RDR2 tire sa substance sémantique (les cow-boys, les grands espaces, le saloon, les attaques de train ou de diligence…).
Joe : Que pensez-vous de la caméra dite cinématique et en général de la place de la caméra dans les phases de jeu (interactives) et celles de vidéo (non interactives, ici avec les bandes noires qui coupent le cadre 16:9 en faux cinémascope) ?
Je l’observe depuis le début de la session et elle me donne un drôle de sentiment. Ce que j’observe, c’est qu’elle produit une vue latérale très « aplatissante » qui part à 90° de la vue à la 3ème personne de la séquence interactive quittée, ce qui donnerait presque au jeu l’esthétique de ces productions 2,5D des années 2000 (Lost Windsur Wii qui me revient là en tête). La cinematic camera semble devoir négocier entre une forme « cinématographique » de mise en scène et une appréhension suffisante de l’espace de jeu pour diriger l’avatar en mode relatif caméra. Evidemment, cela limite les possibilités et exclut des échelles de plan absentes du jeu vidéo comme le plan rapproché, le gros plan et le très gros plan.
al : Quelle peut être l’influence d’un jeu vidéo comme celui-ci sur la réalisation de futurs films de western ?
Certains ont relevé l’influence qu’aurait eu le premier opus sur la série WestWorld. Il faudra à mon avis être attentif à l’utilisation d’un motif visuel très présent dans la partie : la vue à la troisième personne en plan moyen de demi-ensemble [avec des héros au premier plan et de vastes paysages en arrière-plan] et des mouvements d’appareil qui au travelling avant combinent les effets d’ajustement de la caméra par le stick droit. Ce serait alors sans conteste une citation du jeu et de l’intervention du joueur sur la matière visuelle. Evidemment, ce serait un choix fort qui irait à l’encontre d’un cadrage cinématographique soigné et maîtrisé. Donc particulièrement signifiant.

Serge Karamazov : L’histoire du cinéma montre que les réalisateurs ont su développer une nouvelle grammaire, au fil des expérimentations, pour raconter des choses : travelling compensé (Hitchcock), regard à la caméra (Godard), présence organique du hors-champ (Shyamalan)… Dans le jeu vidéo, avez-vous vu récemment de nouvelles façons originales, propre au médium, de raconter une histoire qui ne seraient pas possibles au cinéma ?
Vaste question que ma réponse ne fera que survoler. Passage de Jason Rohrer est souvent présenté comme une forme de récit propre au jeu vidéo. Allez vous faire un avis, une partie dure cinq minutes pas une seconde de plus.
Les récits arborescents sont une potentialité offerte par les jeux vidéo et utilisée depuis longtemps d’ouvrir les possibilités du récit. Les logiques procédurales permettent de singulariser les séquences pour que chaque partie et chaque expérience du récit se différencie des autres.
Sorgal : Avec ce genre de jeu, pouvons-nous maintenant parler du jeu vidéo comme du huitième art ? Les défenseurs de la télévision, j’entends d’une certaine télévision de qualité et d’expérimentation, ont déjà préempté l’appellation huitième art. Si la bande dessinée est souvent désignée comme le neuvième art, quoique pourtant antérieure à la création de la télévision, c’est l’appellation dixième qui me semble prévaloir pour le jeu vidéo.
Les acteurs à observer dans ce processus seraient les journalistes de la presse généralistes (en France, on se tournerait vers Libération, Le Monde…), la presse culturelle (Les Inrocks, Télérama), les institutions (écoles et musées), le pouvoir politique et sa valorisation du secteur comme espace de création (les décorations - Ordre des Arts et des Lettres - mais aussi les négociations avec les représentants de l’industrie qui peuvent bénéficier d’un point de vue fiscal de la reconnaissance du jeu vidéo comme « industrie créative »).
Jean-Phillipe Des Crosses : Quand des jeux vidéos cherchent à se rapprocher du cinéma (Rockstar est un bon exemple, les Metal Gear Solid aussi) est-ce qu’on est dans la référence/inspiration ou dans le complexe d’infériorité ?
Il me semble que les relations entre les deux domaines se jouent à plusieurs niveaux. Emprunter à des imaginaires de genres cinématographiques (ici le Western qui est le genre hollywoodien par excellence) permet aux développeurs de travailler sur des codes, des conventions, des imaginaires très ancrés dans l’esprit des joueuses et des joueurs et donc facilement réactivables. Le Western est typiquement un genre transmédiatique qui traverse depuis le XIXe siècle les expressions médiatiques et narratives (roman, comics, cinéma, télévision, parc d’attraction…). C’est également un genre transnational qui trouve des expressions locales comme les Western Spaghetti produits en Italie et tournés en Espagne ou les débuts de carrière d’Yves Montant qui se construit sur un répertoire francisé de chansons de cow-boys.
En termes d’expression médiatique, l’émergence des supports optiques dans les années 1990 (et même dès les années 1980) invite les studios à enrichir leurs jeux vidéo par l’insertion de séquences cinématiques ou par la programmation de moteurs graphiques qui leur impose la question du cadrage, de la mise en scène et de la « caméra » dans les jeux vidéo. Un chercheur suisse, Selim Krichane, prépare à ce propos la sortie d’un ouvrage en janvier prochain sur la notion de caméra dans les jeux vidéo.
Et puis, en effet, il y a pour les studios la tentation de se confronter à l’industrie culturelle de référence, tant en termes de puissance évocatrice, de poids économique que de glamour et de paillettes : le cinéma hollywoodien. La politique de Rockstar semble en partie se jouer dans cette relation de confrontation avec les genres cinématographiques, leur capacité à les digérer (l’expression est empruntée à Erwan Cario), à l’assimiler et à la redonner sous une forme d’expérience tant narrative que spatiale. Petite expérience de pensée : que se passera-t-il quand le studio Rockstar s’attaquera à l’autre grand genre populaire du cinéma hollywoodien, la science-fiction ? Vertige.



                            


                        

                        


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<filname="SURF-0,2-3476,1-0,0-10"> ¤ Notre chroniqueur a encore frappé : après les vestiaires de Michel Cymes et Benjamin Millepied, Marc Beaugé scrute celui de l’acteur français, actuellement à l’affiche du film « Le Grand Bain ».
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<filname="SURF-0,2-3476,1-0,0-11"> ¤ Le festival organisé à Pingyao par le réalisateur, entrepreneur et député illustre la gageure de promouvoir le cinéma d’auteur dans l’empire du Milieu.
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Jia Zhang-ke, ou les tribulations d’un cinéaste en Chine

Le festival organisé à Pingyao par le réalisateur, entrepreneur et député illustre la gageure de promouvoir le cinéma d’auteur dans l’empire du Milieu.



LE MONDE
 |    26.10.2018 à 18h56
 • Mis à jour le
28.10.2018 à 06h15
    |

            Aureliano Tonet (Pingyao (Chine)








                        



                                


                            

Jia Zhang-ke a sorti sa plus belle perche à selfie pour l’occasion. Le réalisateur la promène, coiffée d’un smartphone fluet, tandis qu’il musarde sur le « red carpet » du festival de cinéma qu’il a créé, il y a un an, à Pingyao. Le tapis est du même rouge que les drapeaux de la République populaire chinoise qui flottent fièrement sur l’artère principale de cette bourgade touristique de la province du Shanxi, située à 585 km au sud-ouest de Pékin – Pingyao ne compte que 500 000 habitants, une bagatelle à l’échelle du pays.
Lors du dernier Festival de Cannes, une escouade de six agents de sécurité veillait à ce qu’aucun selfie n’entache la montée des marches. A Pingyao, les régiments de l’armée, qui patrouillent à vive cadence durant toute la manifestation, laissent faire. Il serait inopportun de voir dans le geste de « mister Jia », comme on l’appelle ici, un bras d’honneur aux instances cannoises, qui ont sélectionné six de ses douze longs-métrages, dont le plus récent, Les Eternels, en mai.

Non, si le grand mandarin du cinéma d’art et d’essai a dégainé sa perche, c’est pour se persuader qu’il ne rêve pas : pour la deuxième année d’affilée, près de 150 000 de ses compatriotes, selon le décompte officiel, sont venus découvrir une cinquantaine de films chinois et étrangers, du 11 au 20 octobre. Alors, l’engin de Jia s’attarde longtemps sur les visages enthousiastes de ces lycéens, étudiants, cinéphiles, blottis contre les rambardes blanches ; certains ont fait le voyage de très loin – Sichuan, Yunnan… – pour se retrouver là, dans la région la plus charbonneuse du pays, ce Shanxi noir de suie où il a vu le jour, il y a 48 ans, et fait ses premières armes de cinéaste.
La déesse aux vingt-six bras
Ainsi augmenté d’un membre métallique, Jia Zhang-ke ressemble à la déesse aux vingt-six bras qui trône au cœur du temple taoïste Shuanglin, l’une des principales attractions du coin. Combien de perches, au juste,...




                        

                        


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<filname="SURF-0,2-3476,1-0,0-12"> ¤ Le directeur général de MK2 est un collaborateur de longue date du cinéaste chinois.
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Nathanaël Karmitz : « Jia Zhang-ke a besoin d’appuis »

Le directeur général de MK2 est un collaborateur de longue date du cinéaste chinois.



LE MONDE
 |    26.10.2018 à 18h55
 • Mis à jour le
26.10.2018 à 19h26
    |

            Aureliano Tonet








                        



                                


                            

Collaborateur de longue date de Jia Zhang-ke, Nathanaël Karmitz, 40 ans, est le directeur général de MK2, une ­société basée à Paris, où cohabitent plusieurs métiers du cinéma (production, exploitation, distribution, ­édition, ventes internationales…).

Jia Zhang-ke se réfère souvent à ce qu’il appelle ­le « modèle MK2 ». A quand remonte votre ­collaboration ?
Nous avons assuré les ventes internationales de ­24 City, en 2007. Depuis, nous ne nous sommes pas quittés, jusqu’à coproduire ses deux derniers films. MK2 correspond bien à ces grands réalisateurs qui portent un message universel dans des pays où le cinéma est un art vivace, mais contraint. Ils ont besoin d’appuis, d’ouvertures. Ce fut le cas hier pour Abbas Kiarostami en Iran ; c’est aujourd’hui le cas pour Jia.
Du maoïsme au gouvernement Sarkozy, votre père, Marin, s’est frotté à la chose politique. Que vous inspirent les engagements de Jia Zhang-ke ?
Sa dialectique est similaire à celle de mon père, en ­effet : pour faire bouger un système, mieux vaut-il opérer de l’intérieur ou de l’extérieur ? La situation chinoise, dont on mesure mal la complexité, appelle à la nuance. Jia montre qu’il est possible d’exercer un regard critique, sans basculer dans la dissidence. Il porte « une autre idée du cinéma », comme on dit chez MK2. En cela, il peut être rapproché de Kiarostami ou de Cristian Mungiu, qui promeut l’art et essai en Roumanie avec une caravane itinérante.
Vous avez conseillé Jia Zhang-ke avant qu’il ouvre son réseau de salles art et essai, à Pingyao et ­Fenyang. Pour l’heure, la fréquentation n’est guère au rendez-vous…
De Bi Gan à Jia Zhang-ke, le cinéma chinois est le plus grand inventeur de formes de ce début de siècle. Mais c’est un art très jeune. Il faudra un peu de temps encore pour qu’un écosystème cinéphile vertueux, porté depuis les écoles jusqu’aux médias, se structure...




                        

                        


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<filname="SURF-0,2-3476,1-0,0-13"> ¤ La petite société, basée à Paris, veut trouver des projets destinés aux plates-formes de vidéo à la demande. Exactement comme le fait Netflix.
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Le français Under the Milky Way veut produire des films sans passer par la case cinéma

La petite société, basée à Paris, veut trouver des projets destinés aux plates-formes de vidéo à la demande. Exactement comme le fait Netflix.



LE MONDE ECONOMIE
 |    26.10.2018 à 12h18
    |

            Nicole Vulser








                        


Petite structure spécialisée dans l’agrégation de films destinés à être vendus et diffusés sur des plates-formes de vidéo à la demande (VOD) dans le monde entier, Under the Milky Way pourrait jouer au chien dans un jeu de quilles. Jérôme Chung, l’un trois des cofondateurs de cette structure basée à Paris, souhaite se diversifier dans la coproduction cinématographique. « Le nom de code de notre label est “I’ve a digital dream” [je fais un rêve numérique] », explique-t-il. « L’idée est de trouver des projets assez légers à mettre en œuvre en moins de dix-huit mois, en ayant en tête une distribution numérique et des formats pas nécessairement longs. Ces films ne seraient pas forcément conçus pour être diffusés en salles », détaille M. Chung, mais directement pour les plates-formes de VOD. Exactement comme le fait Netflix.
Certes, ce schéma l’empêche d’avoir accès aux aides du Centre national de la cinématographie, mais l’Hexagone ne représente que 10 % de son chiffre d’affaires. Ses clients se nomment Apple, Netflix, Amazon, Microsoft, Sony, Comcast, Vudu, Sky ou Telefonica. Pour la France, Orange, Arte, la Fnac, SFR, TF1, Universciné…
Une génération de créateurs européens biberonnés à YouTube et Netflix
« Notre système si envié, fondé sur l’exploitation des films en salles, peut aussi devenir un frein à la création », affirme M. Chung. A ses yeux, toute une génération de créateurs européens biberonnés à YouTube et Netflix apporte quelque chose de nouveau, moins formel. Il souhaite leur permettre d’exister sans passer par les salles obscures.

        Lire aussi :
         

                Chronologie des médias  : bientôt des films plus récents sur tous les écrans ?



Reste à jouer une politique de création en marge du système. Under the Milky Way s’est déjà positionné « dans les interstices », selon M. Chung, puisque cette petite entreprise de vingt salariés a trouvé, depuis 2011, un chemin alternatif – entre les vendeurs de droits internationaux de cinéma et Unifrance – pour distribuer chaque année 600 longs-métrages. Ceux dont les droits ne concernaient que certains pays ou qui n’avaient pas de distributeurs.
Pour lancer leur nouveau projet, M. Chung et les deux autres cofondateurs, Pierre-Alexandre Labelle, basé à New York, et Alexis de Rendinger, à Los Angeles, cherchent à lever 15 millions d’euros au cours des trois prochaines années. « Si possible en Europe, explique M. Chung, sinon nous n’excluons pas un partenaire américain. » 



                            


                        

                        


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<filname="SURF-0,2-3476,1-0,0-14"> ¤ Afin d’assurer la survie du cinéma français face à l’hégémonie américaine, le patron de Canal+ se prononce, dans une tribune au « Monde », en faveur d’un sursaut collectif du secteur pour « réinventer un écosystème » commun.
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Maxime Saada : « Il faut préserver l’exception culturelle française »

Afin d’assurer la survie du cinéma français face à l’hégémonie américaine, le patron de Canal+ se prononce, dans une tribune au « Monde », en faveur d’un sursaut collectif du secteur pour « réinventer un écosystème » commun.



LE MONDE ECONOMIE
 |    26.10.2018 à 07h00
 • Mis à jour le
26.10.2018 à 10h15
    |

Maxime Saada (Président du directoire de Canal+)







                        



                                


                            
Tribune. « Quand nous gagnons un Golden Globe, cela nous aide à vendre plus de chaussures. » Voilà comment Jeff Bezos, le PDG d’Amazon, considère les œuvres qu’il produit et distribue sur son service de vidéo à la demande, Amazon Prime Video. La culture s’y réduit non à un supplément d’âme, mais à un instrument utilisé à des fins essentiellement marchandes.
Telle n’est pas, en France, notre conception de la culture. Bien au contraire, les pouvoirs publics, les auteurs, les créateurs, les producteurs et les groupes audiovisuels de notre pays n’ont cessé de se battre avec constance pour faire reconnaître un principe d’exception culturelle, dont la France, par son rayonnement historique et artistique, s’est toujours érigée en garant universel. C’est ce qui explique la vitalité du cinéma français, seul cinéma qui en Europe a su pleinement perdurer jusqu’à présent face à l’hégémonie du soft power culturel des Etats-Unis.
Les blockbusters de superhéros colonisent l’imaginaire mondial au profit d’un cinéma de spectacle destiné en priorité aux adolescents
Pourtant, cette singularité française sur la carte du monde cinématographique est confrontée aujourd’hui au défi le plus important de son histoire.
D’abord du fait de la révolution digitale, qui a favorisé l’entrée par effraction dans l’industrie audiovisuelle et cinématographique d’acteurs globalisés venus du numérique, dotés d’une force de frappe financière sans commune mesure avec celle des groupes nationaux en Europe.
Ensuite parce que les majors hollywoodiennes, voyant leur suprématie fragilisée par les 135 millions d’abonnés et 8 milliards de dollars (7 milliards d’euros) d’investissement dans les contenus de Netflix, sont entrées dans une logique défensive d’hyperconcentration, comme en témoigne le rachat de 21st Century Fox par Disney.
Le résultat de ces deux dynamiques est d’ores et déjà visible : nous sommes entrés dans une ère d’hyperoffre...




                        

                        


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<filname="SURF-0,2-3476,1-0,0-15"> ¤ Des utilisateurs afro-américains se sont offusqués que le service mette en avant des acteurs noirs dans son navigateur, même quand ils jouent un rôle mineur.
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Netflix accusé de baser ses recommandations sur la couleur de peau de ses abonnés

Des utilisateurs afro-américains se sont offusqués que le service mette en avant des acteurs noirs dans son navigateur, même quand ils jouent un rôle mineur.



LE MONDE
 |    25.10.2018 à 12h28
 • Mis à jour le
25.10.2018 à 19h03
   





                        


Netflix se base-t-il sur la couleur de peau de ses utilisateurs pour les cibler et pour affiner ses recommandations de films et de séries ? C’est ce que dénoncent des clients américains du populaire service de vidéo à la demande, après avoir observé des biais raciaux dans la manière de présenter les vidéos disponibles, rapportent The Guardian et Wired.
Depuis décembre 2017, Netflix personnalise les vignettes de sélection des films et séries visibles sur la page d’accueil du service en fonction des goûts supposés de ses utilisateurs. Par exemple, pour mettre en avant une ambiance de mystère ou de romance, si les algorithmes de Netflix ont perçu de telles tendances dans ce que regarde l’abonné concerné.
« Traités différemment »
Or plusieurs utilisateurs afro-américains ont relevé que la firme de Los Gatos mettait en avant des acteurs afro-américains, y compris lorsque ceux-ci jouaient un rôle mineur dans le film ou la série. The Guardian donne l’exemple de la comédie romantique Love Actually, dans laquelle Hugh Grant, Emma Thompson et Colin Firth jouent les premiers rôles, mais pour laquelle Netflix met en avant les acteurs Chiwetel Ejiofor et Keira Knightley, aux rôles pourtant secondaires.

   


Si Netflix est connu pour sa politique de personnalisation algorithmique de l’offre, il s’agit d’un exemple supplémentaire aux effets potentiellement indésirables. Comme le relève un programmeur sur Twitter, « les gens n’aiment généralement pas être traités différemment en fonction de leur couleur de peau, et tout particulièrement quand ils sont tranquillement chez eux en train de regarder un film ». 
D’autres, comme le réalisateur new-yorkais Tobi Aremu, ont estimé que le système pouvait être une bonne chose pour les utilisateurs sensibles à l’inclusivité. Mais dans le Guardian, il critique aussi le fait que Netflix puisse berner ses clients en mettant en avant sur les vignettes de film des acteurs qui n’ont qu’un rôle mineur dans le scénario, où les personnages principaux restent blancs.
Contacté par Wired, Netflix s’est défendu de toute exploitation commerciale de la couleur de peau de ses abonnés. « Il est faux de dire que nous personnalisons les affiches en nous basant sur des statistiques démographiques. Nous ne demandons pas à nos membres leur race, leur sexe ou leur ethnie, donc nous ne pouvons pas utiliser ces informations pour personnaliser individuellement leur expérience de Netflix. La seule information que nous utilisons, c’est leur historique de consultation. » Qui, traité par les algorithmes d’apprentissage automatisé de la firme, est parfois bien plus précis que des données déclaratives.



                            


                        

                        


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<filname="SURF-0,2-3476,1-0,0-16"> ¤ L’entreprise a rompu les négociations avec les vingt-trois organisations du 7e art pour renouveler l’accord qui les lie jusqu’à la fin de 2019.
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Canal + s’éloigne du cinéma français

L’entreprise a rompu les négociations avec les vingt-trois organisations du 7e art pour renouveler l’accord qui les lie jusqu’à la fin de 2019.



LE MONDE ECONOMIE
 |    25.10.2018 à 10h34
 • Mis à jour le
25.10.2018 à 10h40
    |

            Nicole Vulser








                        



   


Le président du directoire de Canal+, Maxime Saada, a rompu, dans un courrier daté du vendredi 19 octobre, les négociations avec les vingt-trois organisations du cinéma français pour renouveler l’accord qui les lie jusqu’à la fin de 2019. Par un effet de domino, le patron de Canal+ a également fait achopper la réforme de la chronologie des médias (l’exploitation d’un film sur différents supports, comme les chaînes de télévision, la vidéo à la demande ou Netflix, après leur sortie en salle). La chaîne cryptée avait refusé, le 6 septembre, de signer ce dernier protocole avant d’avoir signé une entente avec le cinéma.
Défendant des intérêts variés voire antinomiques, les représentants du 7e art (les exploitants, les producteurs, les distributeurs, les cinéastes…) n’ont pas trouvé de terrain d’entente avec le principal banquier du cinéma français, qui a préacheté pour 114 millions d’euros de films en 2017. La plupart des organisations semblent déçues, surprises, et refusent de réagir officiellement pour ne pas compromettre une reprise des négociations.

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                Chronologie des médias  : bientôt des films plus récents sur tous les écrans ?



Chez Canal+, l’exaspération est, en revanche, très palpable. Maxime Saada a affirmé, dans son courrier envoyé au Bureau de liaison des industries cinématographiques (BLIC), au Bureau de liaison des organisations du cinéma (BLOC) et à la Société civile des auteurs réalisateurs producteurs (ARP), que les nouvelles négociations s’effectueront « de façon bilatérale » et que les concessions acceptées au cours de l’année écoulée « ne constitueront pas la base de [leurs] échanges à venir ».
« Le cinéma se bunkérise, se rabougrit »
Sur quoi ont-ils achoppé ? Des points techniques, comme l’assiette des calculs des obligations de Canal+. Aujourd’hui, la chaîne soit consacre 12,5 % de son chiffre d’affaires à des acquisitions de droits de films européens, soit investit 3,61 euros par abonné et par mois dans des longs-métrages d’expression française. Dans la mesure où les offres d’abonnement de Canal+ varient de 10 euros à près de 40 euros par mois, les discussions ont porté sur la valeur des différents abonnés. Autre question en débat, l’introduction d’un plafond d’investissements de 180 millions d’euros par an dans le cinéma français et européen. Canal+ demandait à s’engager dans la production déléguée de quatre longs-métrages par an par le biais de Studio Canal, tandis que les organisations cinématographiques en acceptaient trois. Canal+ a accusé Gaumont, Pathé ou UGC de protéger leur pré carré et de refuser toute concurrence.
Chacun est pourtant persuadé d’avoir proposé à l’autre « des conditions extrêmement favorables ». Pascal Rogard, directeur général de la Société des auteurs et compositeurs dramatiques (SACD) pense que la difficulté vient du fait qu’« il n’y a pas de négociateur en chef pour le cinéma » et que les demandes n’ont pas été assez hiérarchisées. « Se battre sur un film en production déléguée n’a pas de sens, tout comme il est logique que Canal+ ne compte pas de la même façon un abonné qui paie 40 euros par mois et celui qui a choisi [un abonnement à] 10 euros », ajoute-t-il. A ses yeux, « le cinéma se bunkérise, se rabougrit. C’est d’autant plus grave que, dans les dîners en ville, on parle aujourd’hui bien plus des séries que des films. Or Netflix approche les 4 millions d’abonnés en France ». Il déplore que « cette occasion unique d’améliorer la chronologie des médias » n’ait pas été saisie. « C’est mauvais pour le cinéma français », conclut-il.
Soupçon de vente, à terme, de Canal+ par Vivendi
Une des parties prenantes « ne comprend pas pourquoi Canal+ a refusé de signer, alors que 90 % de l’accord étaient acquis ». Un autre se demande « s’il s’agit d’un mouvement tactique de Canal+ » et s’« il existe une vraie volonté de son actionnaire, le groupe Vivendi, d’accorder une place centrale au cinéma dans Canal+ ». Si ce n’est pas le cas, « il faut qu’on le sache », ajoute-t-il.
Un troisième négociateur soupçonne Vivendi de vouloir vendre, à terme, Canal+. Affaiblie par la perte des droits du football, la chaîne, si elle n’est pas ligotée par des obligations contraignantes dans le cinéma, trouverait plus facilement acquéreur. Une hypothèse écartée à Canal+, où l’on rappelle s’être engagé dans une candidature sur la TNT et, surtout, avoir proposé de resigner à l’identique les accords en vigueur avec le cinéma jusqu’en 2023…
La réforme de la chronologie des médias n’est donc pas pour demain. Canal+ préfère renoncer aux avantages qui y afféraient – la possibilité de diffuser des films entre six et huit mois après leur sortie en salle, contre dix à douze mois aujourd’hui –, puisque l’accord avec le cinéma est bloqué. Si les acteurs ne sont « pas en capacité de prendre leurs responsabilités, la loi pourra trancher » l’évolution du cadre réglementaire de la chronologie des médias, a déjà prévenu le nouveau ministre de la culture, Franck Riester.



                            


                        

                        


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<filname="SURF-0,2-3476,1-0,0-17"> ¤ Dans le cadre du Monde Festival, les Montréalais pourront découvrir l’exposition « Gaumont : depuis que le cinéma existe », imaginée à l’occasion des 120 ans de la société.
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                A Montréal, Gaumont propose un voyage dans le cinéma d’hier, d’aujourd’hui et de demain


Dans le cadre du Monde Festival, les Montréalais pourront découvrir l’exposition « Gaumont : depuis que le cinéma existe », imaginée à l’occasion des 120 ans de la société.

LE MONDE
                 |                 24.10.2018 à 14h07
 • Mis à jour le
24.10.2018 à 17h24
                 |

                            Franck Nouchi

















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Après Paris, Angoulême, Singapour, Rangoon, Yokohama, La Havane, Mexico, et d’autres villes encore, l’exposition « Gaumont : depuis que le cinéma existe » va faire halte à Montréal, du 27 octobre au 25 novembre, à la Cinémathèque québécoise et à la Société des arts technologiques.
Présentée dans le cadre du Monde Festival, cette manifestation que Le Monde organise conjointement avec le journal Le Devoir dans la métropole québécoise sera l’occasion pour le public montréalais de découvrir quelques-uns des trésors de la collection constituée au fil du temps par la plus ancienne société cinématographique du monde.
Au début de cette extraordinaire aventure, il y a un homme, Léon Gaumont (1864-1946) qui avec l’aide de trois commanditaires (parmi lesquels Gustave Eiffel) crée, en 1895, la société L. Gaumont et Cie afin de développer des activités d’optique et de photographie. Initialement, les appareils qu’il met au point sont destinés aux forains. En 1900, à l’Exposition universelle, Léon Gaumont présente un appareil couplant un projecteur et un phonographe. Trois ans plus tard, en hommage à sa mère, qui se prénommait Marguerite, il décide de prendre une marguerite comme logo.
« Une princesse endormie qu’un magicien réveillera »
Viennent ensuite les premières salles de cinéma, en particulier le magnifique Gaumont Palace, 3 400 places, construit en 1910 sur l’hippodrome de la place de Clichy, à Paris. C’est le temps des premiers films Gaumont, dont ceux d’Alice Guy et de Louis Feuillade (Judex, Fantômas, Les Vampires). Le même Louis Feuillade qui disait : « La seule chose qui compte est de savoir si, dans ce film, sommeille une princesse endormie qu’un magicien réveillera tout à l’heure sous les rayons de la lampe merveilleuse… »

        Documentaire :
         

          « Charles Pathé et Léon Gaumont, premiers géants du cinéma »



Dès lors, même si la concurrence des grandes sociétés de production hollywoodiennes se fait de plus en plus âpre, l’histoire de Gaumont va se confondre avec celle du cinéma mondial. Jacques Becker, Robert Bresson, Sacha Guitry, Jean-Luc Godard, Barbet Schroeder, Eric Rohmer, Jean-Jacques Annaud, Werner Herzog, André Téchiné, Gérard Oury, Maurice Pialat, Michelangelo Antonioni, Jean-Paul Rappeneau, Joseph Losey, Federico Fellini, Francesco Rosi, Patrice Chéreau, Jerzy Skolimowski, Costa Gavras, Olivier Nakache et Eric Toledano, Anne Fontaine, Albert Dupontel, tant d’autres encore, verront leurs films produits par « la firme à la marguerite ».
Sur l’affiche de JLG/JLG, autoportrait de décembre, un film produit pour le centenaire de Gaumont dans le cadre d’une rétrospective du Museum of Modern Art de New York, Jean-Luc Godard fait figurer la mention suivante : « Les héritiers de Léon Gaumont présentent. »
« Travail de mémoire et de transmission »
« Cette exposition que nous faisons voyager un peu partout dans le monde, c’est notre manière à nous de prolonger notre travail de mémoire et de transmission, explique Ariane Toscan du Plantier, la directrice de la communication et du patrimoine de Gaumont. Avec Nicolas Seydoux, le président de Gaumont, et Sidonie Dumas, la directrice générale, notre idée est, loin de toute théorie, de tout didactisme, de proposer une sorte de voyage dans le cinéma, qui plaise aussi bien aux enfants qu’aux adultes. »
L’exposition propose une présentation d’objets et de costumes originaux, une sélection d’affiches, la possibilité d’écouter des musiques de film et de s’arrêter devant les projections de centaines d’extraits…
A la Cinémathèque québécoise de Montréal, le voyage sera davantage historique, assorti d’une rétrospective de films ; à la Société des arts technologiques, il sera plus prospectif grâce aux regards et à la réinterprétation de créateurs et de réalisateurs d’aujourd’hui sur les films Gaumont. Manière, selon Ariane Toscan du Plantier, dans cette véritable capitale de la réalité virtuelle et de l’intelligence artificielle qu’est Montréal, de « dépoussiérer un peu » l’histoire de Gaumont en ayant recours aux technologies les plus modernes.

        Le programme du Monde Festival Montréal :
         

          Le Monde Festival fait dialoguer le Québec et la France



« Gaumont : depuis que le cinéma existe »
Cinémathèque québécoise & Société des Arts Technologiques de Montréal
Du 27 octobre au 25 novembre 2018
Une séance spéciale Jean Vigo - gratuite pour le public du Festival* - avec la double projection des films restaurés « Taris » et « Zéro de Conduite » sera proposée à la Cinémathèque québécoise samedi 27 octobre à 14h.
*dans la limite des places disponibles


                                                Par                                                    Franck Nouchi














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<filname="SURF-0,2-3476,1-0,0-18"> ¤ Le documentaire de Ruth Beckermann, primé à Berlin, raconte l’élection de Kurt Waldheim à la présidence autrichienne en 1986, malgré les révélations sur son passé nazi.
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« Waldheims Walzer » rafraîchit la mémoire de l’Autriche


                      Le documentaire de Ruth Beckermann, primé à Berlin, raconte l’élection de Kurt Waldheim à la présidence autrichienne en 1986, malgré les révélations sur son passé nazi.



M le magazine du Monde
 |    24.10.2018 à 10h30
 • Mis à jour le
24.10.2018 à 19h44
    |

            Blaise Gauquelin (Vienne, correspondant)








   


La salle du Votiv Kino est pleine à craquer. A la fin du film, des applaudissements soutenus accueillent la cinéaste autrichienne Ruth Beckermann. Son long-métrage Waldheims Walzer (« La valse de Waldheim ») a encore suscité, ce lundi 8 octobre au soir, l’enthousiasme dans ce cinéma viennois. Entièrement réalisé à partir d’images d’archives en grande partie inédites, il est auréolé du Prix du meilleur documentaire remis lors de la 68e Berlinale, en février. Début octobre, quatre jours après sa sortie, il avait déjà attiré plus de 5 000 spectateurs désireux de participer aux nombreux débats organisés avec son auteure à l’issue des projections.
« Ils veulent savoir comment émerge un mouvement civil d’opposition. Ceux qui se déplacent sont plutôt opposés à l’exécutif et “Waldheims Walzer” est porté par de bons retours presse. » Ruth Beckermann
Ruth Beckermann fait des films, mais c’est aussi une militante. Elle a activement participé au combat qu’elle décrit, à savoir, en 1986, la mobilisation pour obtenir le retrait du candidat Kurt Waldheim, ancien secrétaire général des Nations unies (1972-1981) et favori de l’élection présidentielle, sous les couleurs du parti chrétien conservateur ÖVP. En mars de cette année-là, l’hebdomadaire autrichien Profil avait révélé ses activités dans la Wehrmacht, longtemps cachées, pendant la seconde guerre mondiale. Le Congrès juif mondial avait par la suite multiplié les enquêtes, ce qui n’avait pas empêché Waldheim d’être élu avec 53,9 % des voix au second tour, le 8 juin 1986.
Alors que l’Autriche est désormais gouvernée par une coalition réunissant l’ÖVP et le Parti de la liberté (FPÖ, extrême droite), fondé par d’anciens nazis, le documentaire trouve un écho. « Il y a énormément de jeunes gens qui viennent lors de ces discussions », constate Ruth Beckermann, née en 1952. « Ils veulent savoir comment émerge un mouvement civil d’opposition. Ceux qui se déplacent sont plutôt opposés à l’exécutif et Waldheims Walzer est porté par de bons retours presse. On trouve toutefois en ligne des commentaires antisémites et haineux. »

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                Cinéma : à la Berlinale, la démocratie trébuche



Si la plupart des protagonistes du documentaire – en lice pour représenter l’Autriche aux Oscars – sont aujourd’hui décédés, l’ancien directeur de campagne du candidat, Heribert Steinbauer, est venu récemment donner son point de vue, lors d’une soirée très animée. « Il s’est malheureusement montré incapable de condamner les propos antisémites tenus par Alois Mock », ancien président de l’ÖVP (mort en 2017). A l’époque, il avait demandé au Congrès juif mondial de « cesser sa campagne, afin de ne pas réveiller des sentiments que plus personne ne veut voir resurgir. »
Quant aux membres du gouvernement actuel, ils brillent par leur discrétion. « Gernot Blümel [le ministre ÖVP chargé des affaires européennes, des arts, de la culture et des médias] a vu le film lors d’une projection à Berlin, relève la réalisatrice. Et, dans le cadre d’une réception par la suite, il a affirmé, comme l’a relaté la presse autrichienne, qu’il avait appris énormément de choses en le regardant, parce qu’il n’avait que 5 ans en 1986. Il aurait malgré tout pu lire un ou deux livres. »

La nécessité d’une conscience historique critique semble également étrangère au chancelier conservateur, le trentenaire Sebastian Kurz. « On l’a vu lorsqu’il a défendu, en juin, la création d’un “axe des bonnes volontés” entre les ministres de l’intérieur autrichien, italien et allemand sur les questions migratoires. Il ne semblait pas se souvenir de “l’axe Rome-Berlin” scellé, en 1936, entre Hitler et Mussolini », estime l’historienne Lucile Dreidemy, spécialiste de l’Autriche. 

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                L’image manquante de Vienne sous le Reich



L’Autriche s’est longtemps convaincue d’être une victime du nazisme. Et, même si une partie de sa population fait montre d’appétence pour la vérité (une manifestation a encore rassemblé plusieurs milliers de personnes pour protester contre les dérives droitières du pays, le 4 octobre), celle-ci souffre toujours majoritairement d’amnésie.



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<filname="SURF-0,2-3476,1-0,0-19"> ¤ L’univers des personnages d’A. A. Milne s’assombrit parfois dans cette variation produite par Disney, mais aussi coécrite par le cinéaste indépendant Alex Ross Perry.
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« Jean-Christophe & Winnie » : un vent d’inquiétude sur la forêt des rêves bleus

L’univers des personnages d’A. A. Milne s’assombrit parfois dans cette variation produite par Disney, mais aussi coécrite par le cinéaste indépendant Alex Ross Perry.



LE MONDE
 |    24.10.2018 à 07h16
    |

                            Thomas Sotinel








                        



   


L’avis du « Monde » – pourquoi pas
La maison Disney a fondé sa réputation sur la satisfaction des attentes du consommateur. Winnie l’ourson en prises de vues réelles ? On attend des acteurs renommés (ici, Ewan McGregor), des créatures numériques qui font oublier qu’elles ne sont pas de peluche et de kapok, un scénario qui fait rire et pleurer, un « happy end ».
A la sortie de Jean-Christophe & Winnie, on peut cocher chacun de ces ingrédients sur la liste des commissions. Et pourtant ce film n’est pas comme les autres – pas comme les versions « live » du Livre de la jungle ou de La Belle et la Bête. Il y flotte un parfum d’étrangeté qui dérange l’ordonnancement attendu, empêchant le nouveau produit de la firme de Burbank de parvenir à la perfection. Ce semi-échec fait son charme.
Les lieux où Winnie, Tigrou, Bourriquet et les autres festoyaient et jouaient sont jonchés de débris
Prenez la séquence qui voit Winnie l’ourson se réveiller dans la forêt des rêves bleus après quelques décennies d’une hibernation provoquée par le départ de Jean-Christophe, le petit garçon dont l’imagination donnait vie à Winnie et sa tribu. Le bois idyllique est devenu un paysage embrumé qui fait grelotter. Les lieux où Winnie, Tigrou, Bourriquet et les autres festoyaient et jouaient sont jonchés de débris. L’ours en peluche erre entre les arbres menaçants, appelant en vain ses amis. Le réalisateur Marc Forster n’a pas la main légère – ses plus grandes réussites relèvent du mélodrame – et l’on s’attend presque à ce que le tigre, l’âne et le porc émergent du brouillard en claudiquant comme des zombies cannibales (Note aux parents : il n’en sera rien, les enfants en seront quittes pour une petite frayeur).
On est juste après la fin de la seconde guerre mondiale, pendant laquelle Jean-Christophe (Ewan McGregor) a combattu. Obsédé par son emploi de directeur de la productivité dans une fabrique de bagages, il s’est transformé en un bureaucrate qui rapporte son obsession du rendement à la maison. Plutôt que de lire L’Ile au trésor à sa petite fille, il préfère lui enseigner la gloire de l’Angleterre victorienne. Un week-end qu’il a laissé épouse (Hayley Atwell) et enfant partir à la campagne, près du bois de son enfance, Jean-Christophe retrouve Winnie, surgi du passé.
Produit de grande consommation
Pendant ce long prologue qui met aussi bien en scène la solitude de Winnie que les traumatismes britanniques (pensionnat, Blitz, campagne d’Europe, reconstruction) que traversent Jean-Christophe et les siens, le film acquiert une couleur presque désespérée. On la retrouve par la suite de temps en temps, après que le héros a retrouvé le chemin de la forêt des rêves bleus, lorsqu’il manque de se noyer dans une fosse à éfélants, par exemple. Le finale burlesque rétablit l’ordre optimiste, défaisant la cohérence du récit, rassurant le jeune public.
La raison de ces bizarreries se trouve sans doute au générique de Jean-Christophe & Winnie, dans l’énumération des scénaristes. Par ordre de surprise : Allison Schroeter, qui a écrit Les Figures de l’ombre – habile évocation du sort des femmes afro-américaines employées par la Nasa ; Tom McCarthy, réalisateur de Spotlight, dénonciation de la pédophilie dans le clergé catholique, célébration du journalisme ; et enfin Alex Ross Perry, figure du cinéma indépendant américain.
L’injection de corps étrangers au système de production a laissé des traces, étranges et attachantes
Le réalisateur de Listen Up Philip, qui vient de présenter Her Smell au Festival de Toronto, aime les personnages insupportables qu’il précipite dans des situations gênantes, humiliantes, qui les portent au seuil de la désintégration. Or, si les règles en vigueur chez Disney n’étaient pas si strictes, ce sont exactement les catastrophes qui menacent l’ex-petit garçon et l’ours en peluche.
On voit bien que les anticorps du cinéma de distraction ont été assez puissants pour que Jean-Christophe & Winnie reste un produit de grande consommation. Il n’empêche que l’injection de corps étrangers au système de production a laissé des traces, étranges et attachantes.

Film américain de Marc Forster. Avec Ewan McGregor, Hayley Atwell, Mark Gatiss (1 h 44). Sur le Web : disney.fr/films/jean-christophe-et-winnie et movies.disney.com/christopher-robin



                            


                        

                        


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<filname="SURF-0,2-3476,1-0,0-20"> ¤ Le premier long-métrage d’Hadas Ben Aroya est une tragi-comédie drolatique.
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« People That Are Not Me » : bonneteau sentimental et sexuel à Tel-Aviv

Le premier long-métrage d’Hadas Ben Aroya est une tragi-comédie drolatique.



LE MONDE
 |    24.10.2018 à 07h13
 • Mis à jour le
24.10.2018 à 07h35
    |

            Jacques Mandelbaum








                        



   


L’avis du « Monde » – à ne pas manquer
Tout plaide – dès le premier plan – pour un film générationnel. Une fille en pleurs, dans un appartement de postadolescente, à moitié nue devant son ordinateur, envoie un message comme une bouteille à la mer au garçon dont on suppose qu’il vient de la laisser tomber. Extension informatique de soi-même, précarité et insatisfaction sociale, errance affective, ordalie sexuelle. Ou égotisme généralisé, tout le monde se parlant à soi-même alors même qu’il s’adresse à l’autre. People That Are Not Me, comme le titre le dit si bien. Ça fait effectivement du monde.

        Lire l’entretien avec Hadas Ben Aroya :
         

          « Le numérique est inhérent à tout type de relation aujourd’hui »



Joy, Israélienne d’à vue de nez 30 ans, représente ici un type sociologique occidental, une sorte de keatonisme féministe. La réalisatrice Hadas Ben Aroya, qui a bricolé ce premier long-métrage pour la fin de ses études, compose et interprète ce personnage avec un culot, un charme et un talent remarquables. Petite brunette vive au visage polymorphe, marchant à cent à l’heure, laconique et rentre-dedans, baignant dans un océan de mauve et de violet, victime sérielle de son angoisse et de la fatalité quant au choix de ses partenaires masculins. Le personnage est insolite, attachant, drolatique. Il conjoint l’humour dépressif à la première personne du cinéma de Woody Allen à la crudité sexuelle et au marasme sentimental des séries contemporaines produites par Judd Apatow, comme Girls ou Love.

        Lire le récit :
         

          Nuit blanche avec sept cinéastes israéliennes



Il y a là l’ex, qui la fuit. Nir, un échalas qui termine sa thèse. Et Oren, un kibboutznik introverti
Le décor télavivien accueillant cette tragi-comédie de la quête sentimentale est réduit à sa plus simple expression. Un appartement, bulle « girly » destinée à contenir tout le désenchantement du monde. Une allée arborée pour en sortir. Un autre appartement, non loin dans la même allée, devant la porte duquel son ancien petit ami la laisse moisir. Un bar-dance floor électro où pister de potentiels nouveaux décollages. Le film tourne entre ces lieux sans que rien n’y bouge réellement, tel un manège à ­quatre chevaux. Il y a là l’ex, qui la fuit et voudrait tout au plus récupérer le double des clés de son appartement. Nir, un échalas qui termine sa thèse, en qui Joy est encline à voir son sauveur affectif. Et Oren, un kibboutznik introverti qui déménage en ville et aspire à devenir son colocataire.
La mise en scène organise entre ces figures un jeu de bonneteau burlesque, qui met les apparences cul par-dessus tête. Nir affecte la souffrance romantique. En réalité, c’est un salopard d’autant plus splendide qu’il s’ignore. Phobique, incapable de nouer un lien véritable avec quiconque, logorrhéique, il ne songe qu’à terminer sa thèse. Ce grand oiseau malade envoûte Joy par son érudition, mais passe son temps à parler au lit et ne semble pouvoir tirer plaisir que de l’éventualité d’une éjaculation faciale. A l’inverse, Oren le paysan sioniste au verbe rare et aux épaules de déménageur se révèle d’une sensibilité maladive. Lorsque Joy, par une nuit de doute et de déconvenue, jette brutalement et crûment sur lui son dévolu, l’athlète perd tous ses moyens, se révèle tout en pudeur et en demande de tendresse.
Stoïcisme masochiste
Le désarroi – et aussi bien sa drôlerie – vient ici de la désynchronisation des sentiments, du timing passionnel cahoteux entre les personnages. A la traîne perpétuelle de Nir, faux rédempteur qui lui inflige la nécessité d’un stoïcisme masochiste, Joy, par un sursaut qu’elle pense salvateur, tétanise à son tour le doux et timide Oren par l’électrochoc d’une franche et impérieuse avance sexuelle. Ce funeste désordre des choses, cette sombre fatalité qui désaccorde les personnages tombent sur le film comme une force qui s’ingénie à contrecarrer son aspiration manifeste à la joie, à la simplicité, à la légèreté. Tout dans la mise en scène y conduit pourtant : Joy et son sourire désarmant, sa propension à vivre nue, le minimalisme de l’action et du décor, la fluidité des plans-séquences, la pop télavivienne ténue et planante (Buttering Trio, Garden City Movement) qui enrobe ce monde de douceur.
Cette sourde lutte des forces antagonistes, ces constants paradoxes qui déjouent le programme font en même temps de People That Are Not Me un film plein de vie. Une œuvre venue du Moyen-Orient mais tournée dans la lumière hivernale de Tel-Aviv. Un film obsédé par la sexualité, mais dont les images les plus frappantes en la matière prennent des voies de traverse. L’autoérotisme d’un orang-outan qui urine joyeusement dans sa propre bouche sur la chaîne YouTube. L’amour aliéné d’une jeune femme entrée par effraction, qui s’agrippe avec l’énergie d’une possédée à son ex-amant endormi. Deux images nocturnes, enragées, déviantes, saisies au cœur de la solitude qui les engendre, mais exprimées avec la distance humoristique qui permet de les partager.

Film israélien d’Hadas Ben Aroya. Avec Hadas Ben Aroya, Yonatan Bar-Or, Netzer Charitt (1 h 20). Sur le Web : www.waynapitch.com/people-that-are-not-me

Les sorties cinéma de la semaine (mercredi 24 octobre)
Les Ames mortes, documentaire français et suisse de Wang Bing (à ne pas manquer)People That Are Not Me, film israélien d’Hadas Ben Aroya (à ne pas manquer)La Tendre Indifférence du monde, film kazakh et français d’Adilkhan Yerzhanov (à ne pas manquer)Le Rouge et le Gris. Ernst Jünger dans la Grande Guerre, documentaire français de François Lagarde (à ne pas manquer)Cold War, film polonais, anglais et français de Pawel Pawlikowski (à voir)L’Envers d’une histoire, documentaire français et serbe de Mila Turajlic (à voir)Le Grand Bain, film français de Gilles Lellouche (à voir)Halloween, film américain de David Gordon Green (pourquoi pas)Jean-Christophe & Winnie, film d’animation américain de Marc Forster (pourquoi pas)Quien te cantara, film espagnol et français de Carlos Vermut (on peut éviter)
A l’affiche également :
Bamse au pays des voleurs, film d’animation suédois de Christian RylteniusChair de poule 2, les Fantômes d’Halloween, film américain d’Ari SandelDakini, film bouthanais de Dechen RoderInvasion, film iranien de Shahram MokriPlace de la République, printemps 2016, documentaire français de Leila Ben Aribi





                            


                        

                        

