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La redevance audiovisuelle va-t-elle s’adapter aux nouveaux usages ?

La contribution fiscale à l’audiovisuel public est encore fortement liée à l’usage ou non d’un téléviseur. Un principe que certains parlementaires souhaitent changer.



LE MONDE
 |    11.10.2018 à 18h10
 • Mis à jour le
11.10.2018 à 18h40
    |

                            Dorian Girard








                        


La plupart des contribuables français ont reçu ou recevront prochainement leur taxe d’habitation, à régler avant le 15 novembre, ainsi que leur contribution à l’audiovisuel public (CAP). A plusieurs reprises, l’idée d’une réforme de la redevance a fait débat. Elle ne serait plus adaptée aux usages des foyers français, selon certains députés.
Qu’est-ce que la redevance ?
La contribution à l’audiovisuel public est payée par les particuliers et les professionnels et participe au financement des organismes audiovisuels publics comme France Télévisions, Arte France, Radio France, RFO, Radio France internationale (RFI) ou l’Institut national de l’audiovisuel (INA). Elle s’élève à 139 euros en métropole et à 89 euros dans un département d’outre-mer.
Selon le projet de loi de finances (PLF) pour l’année 2018, les ressources issues de la redevance étaient d’environ 3,9 milliards d’euros.


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Comment sont utilisées les recettes de la contribution à l'audiovisuel français ?
Répartition des ressources accordées aux organismes audiovisuels publics selon le projet de loi de finance pour 2018.

Source : Projet de loi de finances pour 2018



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Qui la paie ?
La contribution à l’audiovisuel public est payée à la fois par les particuliers et par les professionnels qui détiennent une télévision. En 2015, 1,2 million de personnes avaient déclaré ne pas en posséder.
En revanche, le montant est le même que l’on possède une, deux ou dix télévisions. Elle est payée en même temps que la taxe d’habitation, pour les ménages imposables.
Le nombre de foyers assujettis à la redevance a progressé au cours des dix dernières années, passant de 24,9 millions en 2006 à 27,4 millions en 2016. Mais une partie non négligeable — 4,3 millions de foyers —  bénéficie d’une exonération ou d’un dégrèvement.
Comment s’adapter aux nouveaux usages ?
La contribution actuelle ne se base que sur la possession d’une télévision et exclut de la taxation les ordinateurs, tablettes et téléphones, qui permettent pourtant d’accéder via Internet à des programmes télévisés. Or, le taux d’équipement en télévision des foyers est en baisse, il est passé de 98,3 % de l’ensemble des foyers en 2012 à 93,8 % au quatrième trimestre 2017.


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La télévision n'est plus le seul moyen de regarder la vidéo
Evolution du taux d'équipement permettant de regarder la vidéo des foyers français.

Source : Observatoire de l’équipement audiovisuel des foyers / CSA



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        "",
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      ],
      [
        "",
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      ],
      [
        "",
        96.2
      ],
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        "",
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      ],
      [
        "",
        94
      ],
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        "",
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        "",
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      ],
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        "",
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        "",
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      ],
      [
        "",
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      ],
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      ],
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De plus, tous les programmes financés par la redevance ne nécessitent pas d’avoir un appareil télévisé. C’est le cas de l’ensemble des programmes de Radio France, par exemple.
C’est pourquoi la ministre de la culture, Françoise Nyssen, disait en septembre vouloir modifier cette taxe, afin qu’elle soit « déconnectée de la détention d’un téléviseur ».
Une redevance pour tous ?
La proposition de la ministre de la culture a prestement été contredite par Matignon. Mais elle a été reprise par un rapport parlementaire, publié le 4 octobre. Son auteure, la députée Aurore Bergé (LRM), souhaite elle aussi universaliser la contribution à l’audiovisuel public, par le biais d’une contribution forfaitaire par foyer, sans modifier « les exonérations sous conditions de ressources existantes ».
Une contribution devenue universelle permettrait d’abord d’anticiper une baisse des recettes de cette taxe ; baisse jugée « inéluctable à court ou à moyen terme » et liée au déclin de la consommation traditionnelle des programmes télévisés. Cela aurait aussi pour avantage d’engranger 100 à 150 millions d’euros supplémentaires chaque année, qui pourraient servir à « libérer l’audiovisuel public des contraintes publicitaires, en supprimant la publicité sur Radio France — y compris sur ses espaces numériques — et sur France 5 ».



                            


                        

                        


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<filname="SURF-0,2-3246,1-0,0-2"> ¤ Le nouvel épisode de cette série culte a été diffusé dimanche en Grande-Bretagne, avant sa diffusion jeudi soir sur France 4. Il met pour la première fois en scène une femme dans le rôle principal.
<filname="PROF-0,2-3246,1-0,0-2"> ¤                

« C’est dans notre ADN » : comment « Doctor Who » est devenu un fleuron de la culture britannique

Le nouvel épisode de cette série culte a été diffusé dimanche en Grande-Bretagne, avant sa diffusion jeudi soir sur France 4. Il met pour la première fois en scène une femme dans le rôle principal.





LE MONDE
 |    11.10.2018 à 18h00
    |

            Morgane Tual (à Londres) et 
Pierre Trouvé





« Je suis surexcité, et en même temps… terriblement nerveux. » Enfoncé dans un canapé en cuir sans âge, John Cook attend que commence le nouvel épisode de la série Doctor Who. Il n’est pas seul : une vingtaine de fans, parfois déguisés, se sont réunis, dimanche 7 octobre, au Hoop and Grapes, un vieux pub de Londres, pour découvrir ce qui s’annonce comme une petite révolution de la télévision britannique. « Il faut que ce soit bon, sinon, beaucoup de gens vont sortir les couteaux », glisse ce quadragénaire entre deux gorgées de bière.
Si une certaine tension se fait sentir dans cette petite pièce feutrée, c’est que l’enjeu est de taille pour la série, qui hante les écrans britanniques depuis 1963. Pour la première fois, son personnage principal, le Docteur, sera incarné par une femme, Jodie Whittaker. Un pari très risqué pour la BBC : s’il est perdu, il pourrait sonner le glas de cette série si chère au cœur des Britanniques.

   


Car Doctor Who n’est pas un programme comme les autres. Au Royaume-Uni, tout le monde a grandi avec cette série de science-fiction. Assis au pub, John Cook, qui la regardait enfant, se souvient : « La télé était allumée, ça passait, et il y avait ce type en costume coloré qui combattait des robots. » Son camarade Faz Alam, dix ans de moins, raconte comment son père « était fan » : regarder la série relevait de « la tradition familiale ». Même le patron du pub, un peu revêche, se souvient avoir regardé Doctor Who toute sa jeunesse, « même si ça faisait un peu peur ».

        Lire nos explications :
         

          « Doctor Who » pour les nuls



La reine d’Angleterre, Big Ben et Doctor Who
La série s’est ainsi imposée, au fil des années, comme un fleuron de la culture britannique. Signe qui ne trompe pas : dans les magasins de souvenirs de Piccadilly Circus à Londres, le Tardis, la machine à voyager dans le temps et dans l’espace du Docteur, se glisse parfois sur les mêmes étagères que les faïences Elizabeth II et les Big Ben sous cloche.
« Doctor Who, c’est le joyau de la couronne de la BBC, renchérit Sally de St Croix, responsable mondiale des franchises du groupe audiovisuel. Et pour les Britanniques, la BBC c’est la maison. »
« Ils regardent ça enfants, puis ados, et quand ils deviennent parents, ils entraînent leurs propres enfants… Quelle que soit l’époque, “Doctor Who” a toujours su parler aux gens. »
Et ce, explique-t-elle, grâce à la « régénération », un procédé scénaristique permettant au Docteur, quand il frôle la mort, de changer d’apparence et (un peu) de personnalité. Un moyen pour la BBC de renouveler son interprète et de moderniser à chaque fois la série, afin de conquérir de nouvelles audiences.
Jusqu’ici, le procédé a toujours fonctionné – même si la série a connu des hauts et des bas. Après avoir disparu en 1989, elle est repartie de plus belle en 2005. Treize ans plus tard, le soufflé est un peu retombé et les audiences se sont stabilisées à quatre millions de téléspectateurs par soir. Un chiffre plus qu’honorable, mais loin des pics à dix millions qu’avait pu connaître la série depuis son retour. Avec cette nouvelle saison, « l’objectif est de reconquérir une audience plus jeune, mais aussi de rassembler à nouveau les familles autour de la télévision, aujourd’hui dispersées sur différents écrans », ambitionne Sally de St Croix.
Des références à Sherlock Holmes et H. G. Wells

   


Le fil ne s’est toutefois jamais rompu. Le petit manège qui se trame à la sortie de la station de métro Earl’s Court, au cœur de Londres, permet d’en attester. Tout au long de la journée, des dizaines de personnes, de tous âges et de toutes nationalités, y défilent pour un selfie ou deux. Et pour cause, ici se trouve un Tardis grandeur nature. En réalité, une mini-station de police, vestige d’une autre époque (et dont le Tardis a, dans la série, pris l’apparence).

   


Qu’ils soient anglais, mais aussi allemands, autrichiens, américains, espagnols, italiens, tous ceux venus admirer ce « Tardis » se disent sous l’emprise du charme so british de la série.
Aurait-elle pu, du reste, être conçue dans un autre pays ? Pour Robin Bunce, historien à l’Homerton College à l’université de Cambridge et spécialiste de Doctor Who, il faut y voir avant tout un pur produit de la culture britannique :
« La série trouve ses racines dans deux figures littéraires britanniques très influentes. Elle ressemble d’une certaine manière à Sherlock Holmes, et elle fait aussi référence à “La Machine à explorer le temps” de H. G. Wells. »
Pour lui, le personnage extravagant du docteur « se réfère à différents mythes que les Britanniques ont sur eux-mêmes. Des gens qui improvisent et qui restent droits. » Le mythe remonte, selon lui, à la seconde guerre mondiale : « Les Britanniques se voient comme les petits qui ont improvisé et gagné face au grand empire nazi, bien mieux préparé et discipliné. »
« Comme Astérix pour les Français »
« Doctor Who, c’est dans notre ADN », abonde Kevan Looseley. « Doctor Who pour les Britanniques, c’est comme Tintin pour les Belges ou Astérix pour les Français », complète Alexandra Looseley-Saul, son épouse. Tous deux dirigent le Who Shop, une boutique entièrement consacrée à la série, dans l’est londonien. C’est elle qui, en 1984, a eu l’idée d’ouvrir ce commerce, davantage par opportunisme commercial que passion personnelle. Depuis bientôt trente-quatre ans, ce duo – le fan absolu et la businesswoman – fait vivre ce joyeux bazar, où s’entassent monstres géants et jouets pour enfants, VHS collector et théières Tardis.

   


Un public très large fréquente les lieux. Des vieux passionnés à la recherche de raretés coûteuses, des ados fauchés privilégiant le pin’s, mais aussi, parfois, des personnes aux demandes très particulières. Différents clients sont, par exemple, venus chercher le bon récipient pour y déposer des cendres.
« Jodie est déjà fantastique »
Elliott, 9 ans tout juste, arpente le magasin pour y dépenser l’argent de poche de son anniversaire. « Je ne suis pas particulièrement fan, reconnaît sa mère, mais sa grand-mère, son oncle et sa tante ont toujours adoré. » Que pense-t-il du fait que le personnage principal sera désormais une femme ? « Cela me va !, répond-il sans trop s’étendre. Il est content, car sa cousine pourra jouer le Docteur. »
Pour les deux propriétaires du magasin, cette nouvelle saison est un enjeu d’importance. « J’espère que cela ne va pas abîmer la franchise, que le nouveau Docteur aura du succès, confie Kevan Looseley. Mais on a réussi à tenir quinze ans sans que la série ne soit à l’antenne, alors bon… »

   


Il n’était pas le seul à retenir son souffle dimanche, à l’heure de la diffusion. Au Hoop and Grapes, après les cris de joie qui ont accueilli les premières images, un silence religieux s’est installé dans le salon du pub. Une heure plus tard, après beaucoup de rires et quelques larmes, le générique fut accueilli de francs applaudissements.
« Ce n’est qu’un épisode, mais Jodie est déjà fantastique », se félicite John Cook. Un avis partagé bien au-delà de la communauté de fans de Doctor Who : presse dithyrambique, réseaux sociaux conquis et audience au rendez-vous. Pas moins de 8,2 millions de Britanniques étaient, ce soir-là, devant leur poste, le chiffre le plus haut pour la série depuis dix ans. Pari réussi.

        Lire aussi :
         

                « Doctor Who » : par où commencer si vous n’en avez jamais vu un seul épisode







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<filname="SURF-0,2-3246,1-0,0-3"> ¤ L’acteur incarne un chef de mission qui, dans les années 2030, prépare une expédition vers Mars.
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« The First » : Sean Penn veut conquérir la Planète rouge

L’acteur incarne un chef de mission qui, dans les années 2030, prépare une expédition vers Mars.



LE MONDE
 |    11.10.2018 à 14h00
    |

                            Martine Delahaye








                        



   


OCS Go, à la demande, série
Contrairement au film de Damien Chazelle First Man, qui sortira en salle le 17 octobre, The First ne fait pas référence au premier homme qui a foulé la Lune mais à la première expédition habitée lancée vers Mars, dans les années 2030, sous la direction de Thomas Hagerty, qu’interprète Sean Penn.
Pour la première série dans laquelle il joue le rôle principal, l’acteur doublement oscarisé (Mystic River et Harvey Milk) a fait le choix de valeurs sûres : le créateur de House of Cards, Beau Willimon, Agnieszka Holland à la réalisation des deux premiers épisodes, et Adam Stone (Mud) à la direction de la photographie.
Pour une fiction qui se révèle être un drame intimiste, en aucun cas un space opera. L’histoire d’un deuil, pétri de culpa­bilité et d’amour paternel, que contrecarrent un désir d’évasion et l’aspiration au dépassement de soi. La recherche de subventions pour monter le projet d’une mission vers Mars, tout comme l’entraînement d’une équipe d’astronautes, n’interviennent qu’en toile de fond de l’intrigue.
Interprété avec justesse
Thomas Hagerty, qui fait partie des rares astronautes à avoir vécu une expédition sur la Lune, se prépare donc, avec son équipe, au premier voyage spatial vers Mars, de deux ans et demi s’il réussit. On le voit certes écartelé entre la passion que sa mission lui inspire et l’attention que requiert sa fille adolescente, prête à se perdre dans la drogue. Mais sans que le scénario parvienne jamais à nous propulser bien loin.

        Lire la critique de « The Last Face » :
         

          Le cri obscène de Sean Penn



Qu’est-ce qui motive ces hommes et femmes à partir pour de telles missions, alors que la mort fait partie des fortes probabilités ? En quoi la conquête de l’espace est-elle vitale pour l’hu­manité, au regard de ceux qui souffrent sur Terre ? Est-ce une quête de spiritualité qui amène Thomas Hagerty à vouloir atteindre l’inaccessible Planète rouge ? Les enjeux suggérés par Beau Willimon ne sont pas minces, le tout est mis en scène et interprété avec justesse, mais ne reste, au ­final, que le sentiment d’une série bien faite – et parfois erra­tique. Qui ne permet que de ­pressentir la transcendance à laquelle elle aspirait.

The First, série créée par Beau Willimon. Avec Sean Penn, Natascha McElhone et Anna Jacoby-Heron (EU, 2018, 8 × 60 min).



                            


                        

                        


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<filname="SURF-0,2-3246,1-0,0-4"> ¤ Le nouveau directeur, Simon Baker, veut exposer dans des espaces réorganisés des photographes aux pratiques diverses.
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La Maison européenne de la photographie vise jeune et loin

Le nouveau directeur, Simon Baker, veut exposer dans des espaces réorganisés des photographes aux pratiques diverses.



LE MONDE
 |    11.10.2018 à 13h15
 • Mis à jour le
11.10.2018 à 16h19
    |

            Claire Guillot








                        



                                


                            

Déborder les frontières de la photographie, celles du genre et celles de l’Europe : le nouveau programme de la Maison européenne de la photographie (MEP), à Paris, marque clairement un changement d’ère. Le Britannique Simon Baker, nouveau directeur qui a succédé au fondateur de l’endroit, Jean-Luc Monterosso, en poste pendant plus de vingt ans, a présenté son programme d’expositions, jeudi 11 octobre, rassemblé autour d’un mot : « diversité ». Ce dernier veut recouvrir aussi bien la diversité géographique que la diversité sexuelle et la diversité des pratiques photographiques. Les deux premiers noms de son programme, qui débutera en 2019, sonnent jeunes et branchés, et disent la volonté du directeur d’attirer un nouveau public, celui qui aime la photographie pas seulement sous forme de tirages exposés en galerie, mais aussi sur les réseaux sociaux.

Simon Baker a choisi ainsi d’ouvrir son programme avec deux jeunes artistes peu exposés en France et connus dans le champ de la mode. Les œuvres de Ren Hang, Chinois qui s’est suicidé en 2017, à 29 ans, qui faisait poser ses amis dans des nus audacieux peu appréciés des autorités de son pays, répondront à celles de Coco Capitan, 26 ans, Espagnole formée à Londres, familière du monde de la publicité, qui crée des images traversées de slogans ironiques et critiques de la société de consommation.

Dès septembre 2019, pour la troisième saison, les couleurs vives reviendront avec le Marocain Hassan Hajjaj
La deuxième saison, plus classique, verra davantage de photos noir et blanc sur les murs de la MEP : les derniers travaux de l’Américain Henry Wessel, représentant du courant des New Topographics, seront exposés en même temps qu’une sélection de photos venues de la collection de la MEP, sur le thème du film noir, avec des œuvres signées Robert Adams, Diane Arbus, Daniel Boudinet, Arnaud Claass ou Paulo Nozolino.
Mais, dès septembre 2019, pour la troisième saison, les couleurs vives...




                        

                        


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<filname="SURF-0,2-3246,1-0,0-5"> ¤ Le rouge, l’orange, le violet, le vert, le noir, le jaune… ont habillé les révoltes et les révolutions de gauche comme de droite au cours des siècles.
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<filname="SURF-0,2-3246,1-0,0-6"> ¤ La 21e édition des Rendez-vous de l’histoire propose jusqu’au 14 octobre plus de 400 débats et conférences sur le statut et l’importance des images. Vous pourrez y retrouver les journalistes et invités du « Monde » lors de dix débats.
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La puissance des images en débat à Blois

La 21e édition des Rendez-vous de l’histoire propose jusqu’au 14 octobre plus de 400 débats et conférences sur le statut et l’importance des images. Vous pourrez y retrouver les journalistes et invités du « Monde » lors de dix débats.



LE MONDE
 |    11.10.2018 à 12h11
 • Mis à jour le
11.10.2018 à 17h40
   





                        



   


A l’occasion des Rendez-vous de l’histoire à Blois, le spécialiste des couleurs Michel Pastoureau évoque celles qui ont habillé les révoltes et les révolutions de gauche comme de droite. 
A l’aube du XXe siècle, à côté du rouge progressiste, du bleu conservateur et du blanc monarchiste, l’Occident voit apparaître de nouvelles couleurs idéologiques et politiques. Ainsi le violet, choisi en 1903 par le mouvement des suffragettes, réclamant au Royaume-Uni le droit de vote pour les femmes et davantage d’égalité entre les sexes. Ce choix n’est pas très bon. Certes, la couleur est libre, mais c’est alors – et cela reste – une couleur mal-aimée. Toutes les enquêtes d’opinion montrent déjà que les trois couleurs les plus détestées en Europe sont le brun, le violet et le rose. Les historiens n’en ont jamais parlé, mais il est probable que le choix d’une telle couleur a fait beaucoup de tort aux mouvements féministes qui l’ont adoptée par la suite.
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        Le rouge, l’orange, le violet, le vert, le noir, le jaune… ont habillé les révoltes et les révolutions de gauche comme de droite au cours des siècles."
            data-slide-description="Défilé lors de la fête nationale chinoise, en pleine Révolution culturelle, à Pékin, le 1er octobre 1966."
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            data-slide-description="Premier anniversaire de la révolution ukrainienne, à Kiev, le 22 novembre 2005."
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            data-slide-description="Manifestation à Téhéran, le 15 juin 2009, contre la réélection, le 12, du président iranien Ahmadinejad."
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            data-slide-description="Le « mouvement des parapluies », prodémocratie, occupe un district d’Hongkong, en novembre 2014."
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            data-slide-description="Journée internationale des droits des femmes, à Rio de Janeiro, au Brésil, le 8 mars 2016."
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            data-slide-description="Des black blocs lors d’une manifestation, à Paris, le 19 avril 2018."
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Le rouge, l’orange, le violet, le vert, le noir, le jaune… ont habillé les révoltes et les révolutions de gauche comme de droite au cours des siècles.            
Défilé lors de la fête nationale chinoise, en pleine Révolution culturelle, à Pékin, le 1er octobre 1966.

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Du côté de l’islam, c’est le vert qui prend peu à peu une dimension politique alors qu’il n’était, jusqu’aux années 1950, qu’une couleur religieuse. Il est adopté par les révoltes contre les pouvoirs autoritaires en place, lesquels, bien que musulmans, restent politiquement adeptes d’autres couleurs.
Le choix de la couleur orange fait par la révolution ukrainienne dès le mois de février 2014 est à l’origine un choix « par soustraction » : la couleur est disponible. C’est presque la seule. En outre, symbole de chaleur et d’énergie, l’orange a bonne presse dans l’opinion. Rapidement une signification qu’il n’a pas au départ lui est donnée : cet orange, qui a la couleur des gilets et des bouées de sauvetage, devient un orange salvateur. Il faut sauver l’Ukraine, c’est cette couleur qui va le faire. Comme souvent dans le monde des emblèmes, une signification donnée a posteriori finit par recouvrir les véritables origines et passer pour la raison première du choix qui a été fait auparavant.
L’emblème des parapluies jaunes choisi par les manifestants de Hongkong dressés contre le gouvernement chinois à l’automne 2014 étonne un Occidental. La signification politique du parapluie est à peu près nulle, et le jaune est de longue date la couleur des traîtres, à l’image des « syndicats jaunes » qui, dans la première moitié du XXe siècle, roulaient pour le patronat. Depuis, une telle couleur est bannie de la vie politique européenne. Mais c’est une couleur valorisée dans le monde chinois. Quant au parapluie, il a une fonction utilitaire : se protéger des gaz lacrymogènes.
Plus récemment, le noir des vêtements des black blocs évoque l’anarchie nihiliste et la mort. Un choix assez banal, dans la filiation de l’ancien drapeau noir, mais efficace : il dissimule celui qui s’en vêt et terrorise tous ceux qui l’entourent.
Les rendez-vous de la rédaction du Monde à Blois
JEUDI 11 OCTOBRE
La photo de presse : fabrique d’icônes ?
14 h 30-16 heures – Château royal de Blois, salle des conférences Avec Jean-François Leroy (directeur du festival Visa pour l’image à Perpignan), Laurent Van der Stockt (photojournaliste), coanimé par Emmanuel Davidenkoff (rédacteur en chef au Monde), et Marie Sumalla (responsable du service photo du Monde).
Les macronomics
19 heures-20 heures – Maison de la magie Avec Elie Cohen (directeur de recherche au CNRS, professeur à Sciences Po), animé par Philippe Escande (éditorialiste économique au Monde).
VENDREDI 12 OCTOBRE
Le monde échappe-t-il aux Occidentaux ?
14 h 30-16 heures – Halle aux grains, hémicycle Avec Bertrand Badie (politiste), Michel Foucher (géographe et ancien ambassadeur de France), animé par Gaïdz Minassian (journaliste au Monde).
A qui appartient l’entreprise ?
18 heures-19 h 30 – Conseil départemental, salle Kléber-Loustau Avec Patrick Artus (économiste et directeur de la recherche et des études de Natixis), Pierre-André de Chalendar (président-directeur général du groupe Saint-Gobain), Isabelle Ferreras (sociologue et politologue), Jean-Paul Pollin (professeur à l’université d’Orléans et ancien président du conseil scientifique de La Revue économique), animé par Antoine Reverchon (journaliste au Monde).
SAMEDI 13 OCTOBRE
Notre histoire en images
11 h 30-12 h 30 – Château royal de Blois, salle des conférences Avec Régis Debray (essayiste, romancier, journaliste et mémorialiste), animé par Nicolas Truong (journaliste au Monde).
L’Afrique ancienne, de l’Acacus au Zimbabwe
14 h 30-15 h 30 – Château royal de Blois, salle des conférences Avec François-Xavier Fauvelle (historien et archéologue spécialiste de l’Afrique), animé par Julie Clarini (journaliste au Monde).
L’histoire de l’Europe peut-elle nous aider à affronter les défis d’aujourd’hui ?
16 heures-17 h 30 – Université, site Jaurès, amphi 1 Avec Christophe Charle (historien), Bruno Dumézil (historien), Daniel Roche (historien), animé par Jean Birnbaum (responsable du Monde des livres).
DIMANCHE 14 OCTOBRE
Les images et les couleurs de la révolution
11 h 30-13 heures – Château royal de Blois, salle Gaston d’Orléans, Avec Antoine de Baecque (historien, critique de cinéma et de théâtre), Laurent Gervereau (historien spécialiste des images), Michel Pastoureau (historien médiéviste), animé par Michel Lefebvre (journaliste au Monde).
Michel Foucault, lecteur des pères de l’église 
14 h 30-16 heures – Château royal de Blois, salle des conférences Avec Jérôme Lagouanère (professeur agrégé de lettres), Jean Reynard (scénariste, adaptateur et dialoguiste), animé par Florent Georgesco (journaliste au Monde des livres).
Il faut dire que les temps ont changé
11 h 45-12 h 45 – Halle aux grains, hémicycle Avec Daniel Cohen (économiste), animé par Antoine Reverchon (journaliste au Monde).
Retrouvez en suivant ce lien toute la programmation des Rendez-vous d’histoire.

        Notre hors-série :
         

          « 50 images qui ont marqué l’histoire »






                            


                        

                        


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<filname="SURF-0,2-3246,1-0,0-7"> ¤ Un documentaire de 2014 sur l’obstétricien Denis Mukwege, distingué le 5 octobre pour son travail en RDC, est rediffusé sur France 5.
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« Congo, un médecin pour sauver les femmes » : dans l’hôpital du Prix Nobel de la paix Denis Mukwege

Un documentaire de 2014 sur l’obstétricien Denis Mukwege, distingué le 5 octobre pour son travail en RDC, est rediffusé sur France 5.



LE MONDE
 |    11.10.2018 à 12h00
 • Mis à jour le
11.10.2018 à 12h07
    |

            Mustapha Kessous








                        



   


France 5, jeudi 11 octobre à 15 h 10, documentaire
Elles ne savent pas si elles doivent continuer à vivre. Le corps en souffrance, elles ne se sentent plus femmes et vivent avec la peur au ventre. Adolescentes, jeunes mères, parfois grands-mères, elles ont été violées par des militaires. Dans ce coin de la République démocratique du Congo, au Sud-Kivu – une région riche et convoitée où des groupes armés s’affrontent depuis vingt ans –, « les femmes sont les premières victimes et leurs vagins sont devenus des champs de bataille », dit une voix off, en introduction de Congo, un médecin pour sauver les femmes.
Un documentaire met en lumière le travail remarquable de Denis Mukwege, 63 ans, qui a été récompensé par le prix Sakharov pour la liberté de pensée 2014 et, vendredi 5 octobre, par le prix Nobel de la paix, qui lui a été attribué conjointement avec la militante irakienne des droits de l’homme Nadia Murad, ex-esclave de l’organisation Etat islamique (EI), « pour leurs efforts pour mettre fin à l’emploi des violences sexuelles en tant qu’arme de guerre ».

        Lire le focus :
         

          Denis Mukwege, un médecin dévoué à la cause des femmes violées



En 1999, en pleine guerre civile, ce chirurgien-gynécologue ouvre l’hôpital de Panzi à Bukavu, sa ville natale, pour permettre aux futures mères d’accoucher sereinement. Mais sa première patiente n’attend pas un enfant : elle a été victime d’un viol. Cette année-là, il soignera 45 femmes qui ont été sexuellement agressées. Trois fois plus l’année suivante.
En quinze ans, Denis Mukwege a pris en charge plus de 40 000 femmes
Denis Mukwege constate que ces femmes sont humiliées et détruites sans que le monde s’alarme de leur sort. Il alerte alors les ONG. Et commence à devenir gênant. Victime de trois tentatives d’assassinat, il quitte le Congo, où il est connu comme « le médecin qui répare les femmes ». Dans les couloirs de l’hôpital, on chante son nom et ses bienfaits : « A celui qui veut du mal à Mukwege, que le malheur s’abatte sur lui ! » En quinze ans, le gynécologue a pris en charge plus de 40 000 femmes. Certaines témoignent, parlent avec une voix à peine audible. La honte ne les a plus jamais quittées. Dans leurs yeux s’exprime une infinie tristesse car, au-delà de leur corps, c’est aussi leur vie que leurs assaillants ont volée.
Perte d’identité
Régina, 22 ans, raconte son agression devant la caméra : comment un homme l’a flanquée au sol, puis violée, avant que d’autres arrivent… Quand elle se confie à son mari, il « s’énerve ». Avec son accord, Régina se rend à l’hôpital de Panzi. Mais une fois soignée, pas question qu’elle rentre, car son mari ne veut plus d’elle. Comme l’explique Denis Muk­wege, le viol est une agression physique mais aussi mentale, entraînant chez les victimes une véritable perte d’identité. Commis à grande échelle, ces crimes détruisent le tissu social. Sans oublier les dégâts que causent les maladies sexuellement transmissibles.
A ce drame s’ajoute souvent un autre, quand les femmes violées se retrouvent enceintes, une sorte de double peine difficilement surmontable. Alice, 16 ans, rejetée par sa famille, explique que, si elle trouve un toit, elle gardera l’enfant, sinon elle l’abandonnera. « Je ne pense pas avoir la force de l’aimer », dit-elle.

        Lire l’entretien avec Denis Mukwege :
         

          « Si ma vie a été sauvegardée, c’est pour une cause »



Le documentaire, extrêmement pudique, traite le sujet du viol avec une grande sensibilité, sans jamais tomber dans le pathos. Même si ce film reste centré autour de la personnalité de Denis Mukwege, le médecin ne se met jamais en valeur. Bien au contraire, il se dit « gâté » par la vie face à ces « femmes fortes », capables de prendre en charge un enfant qu’elles n’ont pas désiré.
Congo, un médecin pour sauver les femmes, d’Angèle Diabang (Fr., 2014, 52 min). www.france.tv/france-5



                            


                        

                        


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<filname="SURF-0,2-3246,1-0,0-8"> ¤ Tamara Jenkins met en scène, pour Netflix, le combat d’un couple de quadragénaires new-yorkais pour avoir un enfant.
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« Private Life » : la passion de la reproduction

Tamara Jenkins met en scène, pour Netflix, le combat d’un couple de quadragénaires new-yorkais pour avoir un enfant.



LE MONDE
 |    11.10.2018 à 11h58
 • Mis à jour le
11.10.2018 à 17h08
    |

                            Thomas Sotinel








                        



   


L’avis du « Monde » – à ne pas manquer
Tamara Jenkins a réalisé trois longs-métrages en vingt ans. Le premier, Les Taudis de Beverly Hills (1998) mettait en scène son adolescence. Le suivant, La Famille Savage (2007) faisait de Philip Seymour Hoffman et Laura Linney un frère et une sœur aspirés par l’interminable agonie de leur père, frappé de démence sénile.
La cinéaste ne s’aventure pas très loin du quotidien et pourtant, on avait pu constater, en deux films seulement, son irréductible singularité, qui se résume en un mot : assurance. La conduite du récit, la direction d’acteurs (non seulement elle choisit les meilleurs, mais elle en tire encore le meilleur) et la mise en scène semblent procéder d’une telle maîtrise que l’on pourrait croire que Tamara Jenkins passe sa vie sur les plateaux, dans les salles de montage.
Après le passage à l’âge adulte et le deuil, il est ici question de la perpétuation de l’espèce
Présenté aux festivals de Sundance et de New York cette année, Private Life étend avec la même modestie apparente, la même virtuosité évidente, le domaine de la cinéaste. Après le passage à l’âge adulte et le deuil, il est ici question de la perpétuation de l’espèce. Rachel Biegler (Kathryn Hahn) et Richard Grimes (Paul Giamatti) ont passé la quarantaine presque sans s’en apercevoir (c’est ce qu’ils prétendent en tout cas), occupant le même appartement de l’un des derniers quartiers populaires de Manhattan (Alphabet City), poursuivant les mêmes rêves de notoriété théâtrale (pour lui) ou littéraire (pour elle) que lorsqu’ils se sont rencontrés. Quand ils se sont aperçus qu’ils n’avaient pas fait d’enfant alors qu’ils en désiraient un, leurs corps se sont révélés mauvais camarades.
Au moment où le film commence, Rachel et Richard mènent de front deux procédures, une FIV, une adoption. Dans cette entreprise qui semble consumer toutes leurs énergies, ils recrutent bientôt la nièce par alliance de Richard, Sadie (Kayli Carter), étudiante qui vient de renoncer à poursuivre son cursus dans une prestigieuse université, à qui ils demandent l’aumône de quelques ovules.
Des acteurs maîtres de leur art
Tamara Jenkins, auteure du scénario, a beau être d’une précision plus chirurgicale que documentaire dans sa peinture des tribulations médicales de Rachel – des sautes d’humeur provoquées par le traitement hormonal aux effets cutanés des injections à répétition – le réalisme de Private Life n’est que l’un des instruments d’un arrangement cinématographique d’une grande richesse.
Les premiers pupitres sont tenus par les acteurs. On croyait tout savoir de Paul Giamatti, de son petit sourire gêné, de son humour passif agressif. Tout est là avec en plus une rage rentrée qui transparaît juste assez pour faire monter la tension. Kathryn Hahn, second rôle au cinéma, prodigieuse en artiste autodestructrice dans la série I Love Dick (sur Amazon), met à nu toutes les strates de la psyché de son personnage, terreur et colère, générosité et agressivité, sans jamais remettre en cause l’intégrité de son personnage. Entre ces deux maîtres de leur art qui expriment aussi le lien très fort qui unit Rachel et Gabriel, le film ménage un espace pour le personnage et l’interprète de Sadie, la jeune étudiante à la dérive qui croit trouver une raison d’être dans son rôle de donneuse de gamètes. Kayli Carter en fait une jeune femme parfois inconsciente, souvent très lucide.
Parce qu’ils ne sont jamais moqués, Richard et Rachel peuvent aussi être vus comme des belligérants dans la guerre des sexes
Filmé dans une palette de couleurs froides, avec de longues focales qui isolent les êtres (mais le procédé n’est pas systématique – de temps en temps la caméra embrasse le couple, le trio, et l’on se prend à rêver, avec les personnages, à ce qui pourrait être –), Private Life révèle d’autres dimensions que l’observation exacte – et souvent comique – d’une situation ordinaire. Parce qu’ils ne sont jamais moqués, que l’histoire et la mise en scène leur laissent toujours une chance, Richard et Rachel peuvent aussi être vus comme des belligérants dans la guerre des sexes.
Tout comme on devine les efforts de Richard pour faire face à la redistribution du pouvoir, Tamara Jenkins suggère que les nouveaux modes de procréation ne sont pas forcément incompatibles avec la perpétuation du patriarcat. Cette dimension politique n’est qu’un contre-chant mineur. L’important est ailleurs, dans l’histoire d’amour ultramoderne de ce couple qui se mue en PME de la reproduction.
Film américain de Tamara Jenkins. Avec Kathryn Hahn, Paul Giamatti, Kayli Carter, Molly Shannon, John Carroll Lynch (2 h 03). Sur Netflix : www.netflix.com/fr/title/80168222




                            


                        

                        


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<filname="SURF-0,2-3246,1-0,0-9"> ¤ Le magnat de l’immobilier, Charles Cohen, s’est taillé une place de choix dans le septième art. Il présentera sa dernière production au festival Lumière de Lyon, du 13 au 21 octobre : un documentaire sur Buster Keaton ainsi que sept films du maître du muet restaurés en version 4K.
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L’autre frère Cohen du cinéma


                      Le magnat de l’immobilier, Charles Cohen, s’est taillé une place de choix dans le septième art. Il présentera sa dernière production au festival Lumière de Lyon, du 13 au 21 octobre : un documentaire sur Buster Keaton ainsi que sept films du maître du muet restaurés en version 4K.



LE MONDE
 |    11.10.2018 à 11h43
 • Mis à jour le
11.10.2018 à 14h35
    |

                            Clémentine Goldszal








   


Dans le cortège de professionnels du septième art qui se pressera du 13 au 21 octobre au festival Lumière de Lyon, ils sont de plus en plus nombreux désormais à connaître le nom de Charles Cohen. En une petite décennie, ce magnat de l’immobilier new-yorkais, âgé de 66 ans et à la tête d’une fortune évaluée à plus de 3 milliards de dollars par le magazine Forbes, s’est taillé une place de choix dans l’univers du cinéma d’auteur. Cette année, il présentera à Lyon sa dernière production, The Great Buster : A Celebration, un documentaire de Peter Bogdanovich sur Buster Keaton, ainsi que sept films du maître du cinéma muet restaurés en version 4K. Cohen est l’heureux propriétaire de tous les films de Keaton (sauf un). Ils font partie d’un catalogue de 700 titres (500 longs et 200 courts-métrages s’échelonnant de 1917 à 1972), rachetés à une société anglaise en banqueroute en 2011. Parmi eux, une multitude d’autres classiques signés, entre autres, Douglas Fairbanks ou D.W. Griffith.
En 2015, sa société, Cohen Media Group, distribuait en Amérique du Nord « Mustang », premier film de Deniz Gamze Ergüven, nommé aux Oscars.
Mais plus qu’un collectionneur obsessionnel, qui acquerrait les copies originales d’Hitchcock comme d’autres des Gauguin, Cohen investit tous azimuts dans le septième art. En 2015, sa société, Cohen Media Group, distribuait en Amérique du Nord Mustang, premier film de Deniz Gamze Ergüven, nommé aux Oscars. En 2016, il remporte une statuette grâce au Client, d’Asghar Farhadi, dans la catégorie meilleur film étranger. L’année suivante, il coproduit le documentaire Visages, Villages, d’Agnès Varda et JR, et L’Insulte, du Libanais Ziad Doueiri (tous deux nommés aux Oscars), et met des billes dans le Rodin de Jacques Doillon… Distributeur, le voilà devenu producteur. Une nouvelle casquette pour cet outsider de plus en plus incontournable. « Coproduire me permet de m’impliquer dès le début dans les projets », nous expliquait-il il y a quelques mois, assis bien droit dans l’un des canapés du salon Proust du Ritz Paris, le palace où il a ses habitudes.

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                Charles Cohen, l’ami américain du cinéma français



Né dans le comté de Westchester, dans l’Etat de New York, en 1952, Charles Cohen fait fortune dans les années 1980 en faisant prospérer la Cohen Brothers Realty Corporation, l’entreprise d’immobilier fondée par son père et son frère. Mais ce frère Cohen-là, à la tête d’un patrimoine de plus d’un million de mètres carrés (dont le Pacific Design Center de Los Angeles), se rêve plutôt en frère Coen. Adolescent, Charles Cohen découvre la Nouvelle Vague au cinéma art et essai local, commet des courts-métrages à la fac, se voit bien devenir réalisateur et signe même, en 1985, un livre de devinettes sur le cinéma, Trivia Mania. Après un large détour par la pierre, il revient à son ambition initiale en 2008, en investissant sur un coup de cœur 300 000 dollars de son argent personnel dans Frozen River, un premier film indépendant. Ce coup d’essai signé d’une réalisatrice inconnue remporte le Grand Prix du jury au Festival de Sundance et rafle deux nominations aux Oscars. Une entrée en matière en forme de success story.
Le cinéma, une passion et un business
Charmant, propre sur lui, « apolitique » (dit-il), Charles Cohen raconte sans anicroche la manière dont il a fait de sa passion son nouveau business, en trois temps : distribution (depuis 2011, dont 38 films français en Amérique du Nord, engrangeant 10,5 millions de dollars de recettes, selon Unifrance), restauration de classiques, production de films étrangers. Investisseur pragmatique, il numérise peu à peu les quelque 800 films de son catalogue pour les ressortir en DVD, et vient d’inaugurer sa propre chaîne de VOD, Cohen Media Channel, disponible aux Etats-Unis sur Amazon Prime.

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                Charles Cohen, distributeur, a son bureau en haut d'une tour



Mais sa vision s’exprime pleinement quand son expertise immobilière se met au service de sa cinéphilie : déjà propriétaire du mythique cinéma Quad à New York, qu’il a entièrement rénové, Charles Cohen a aussi racheté en 2017 en Floride le Carefree Theater, un cinéma de West Palm Beach sur le point d’être détruit. Il compte construire au-dessus un complexe immobilier, avec en tête une idée simple : « Que le cinéma profite des revenus des appartements. » C’est enfin lui qui a acquis en septembre 2017 La Pagode, célèbre salle d’art et essai parisienne, classée monument historique. L’institution du 7e arrondissement devrait renaître en « centre de cinéma ». Objectif : « En faire une vraie destination culturelle pour le quartier. » Réponse dans deux ou trois ans.



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<filname="SURF-0,2-3246,1-0,0-10"> ¤ Une sélection de croquis du génie a servi d’inspiration aux 110 maquettes réalisées.
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Les inventions  de Vinci en trois dimensions

Une sélection de croquis du génie a servi d’inspiration aux 110 maquettes réalisées.



LE MONDE
 |    11.10.2018 à 10h00
    |

                            Catherine Mary








                        



                                


                            
L’exposition. Léonard de Vinci, artiste emblématique de la Renaissance, est crédité de multiples inventions, dont l’hélicoptère, le parachute ou la mitraillette. Mais quelle est la part du mythe dans cette légende, et de quoi Léonard de Vinci est-il vraiment l’inventeur ? Telle est la question à laquelle l’exposition « Da Vinci, les inventions d’un génie », qui se déroule à La Sucrière à Lyon jusqu’au 13 janvier  2019, ambitionne de répondre.
Soutenu par de puissants mécènes, Léonard de Vinci assimilait comme tout savant humaniste les connaissances de son époque. Il excellait tant en astronomie qu’en botanique, en anatomie, en génie militaire, ou ­encore en mathématiques. Son travail s’appuyait sur la prise de notes et sur des croquis réalisés dans des carnets, les codex, dont 25, totalisant des dizaines de milliers de pages, sont conservés dans différentes institutions à travers le monde, tels le British Museum, la bibliothèque ambrosienne de Milan et la ­Bibliothèque nationale d’Espagne.
Animation 3D
C’est à partir d’une sélection de ces croquis, rendus accessibles par leur numérisation, qu’a été conçue l’exposition. Ils ont servi d’inspiration aux maquettes de 110 inventions présentées dans l’exposition, dont on peut aussi visualiser l’animation 3D sur des écrans interactifs. Différentes thématiques y sont représentées afin d’illustrer les centres d’intérêt de Léonard de Vinci et de ses mécènes, dont le génie militaire, l’architecture, l’hydraulique ou les machines de mesure. Le visiteur découvrira ainsi un surprenant char à lames équipé d’une roue horizontale munie de lames destinées à couper les jambes des ­attaquants. Autre illustration de l’ingéniosité de Léonard de Vinci dans l’art de la guerre, le repousse-échelle permettant de repousser ­depuis l’intérieur des forteresses les échelles par lesquelles affluent des assiégeants. En matière d’architecture, l’exposition illustre son intérêt pour les ponts et les escaliers, et en...




                        

                        


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<filname="SURF-0,2-3246,1-0,0-11"> ¤ Lauréat de tous les grands prix internationaux de la discipline, le Japonais fait l’objet d’une vaste rétrospective au Centre Pompidou.
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Exposition : Tadao Ando, architecte poète et maximaliste

Lauréat de tous les grands prix internationaux de la discipline, le Japonais fait l’objet d’une vaste rétrospective au Centre Pompidou.



LE MONDE
 |    11.10.2018 à 09h04
 • Mis à jour le
11.10.2018 à 11h07
    |

                            Frédéric Edelmann








                        



                                


                            

C’est un véritable trésor que la nouvelle exposition du Centre Pompidou à Paris, « Tadao Ando, le défi », présentée dans le cadre de la saison culturelle Japonismes 2018. Trésor bien vivant, le célébrissime architecte japonais, lauréat de tous les grands prix internationaux dont le Pritzker (en 1995), est aujourd’hui âgé de 77 ans. Il détaille volontiers son dernier « défi », une lourde opération qui lui a valu, entre autres, l’ablation du pancréas. Une façon de réaffirmer la volonté qui caractérise et sa vie et son œuvre : plus de 300 réalisations représentées ici par 50 projets majeurs, soit 180 dessins, 70 maquettes originales, de nombreuses photos et projections…

Assez pour comprendre les méthodes et la cohérence d’un travail dispersé entre le Japon, principalement dans la région du Kansaï (Kobé, Kyoto, Nara, Osaka…), les Etats-Unis (Musée d’art moderne de Fort-Worth, au Texas, 2002), la Chine (Poly Theater de Shanghaï, 2014), et même la France : une spectaculaire maquette du musée de la collection ­Pinault en cours de réalisation dans l’enveloppe circulaire de la Bourse de commerce, à Paris, accueille le visiteur au Centre Pompidou. Mais d’autres constructions ont ­commencé à retisser un lien fort entre Ando et l’Hexagone, tel l’espace de méditation de l’Unesco (Paris, 1995), et le château La Coste, près d’Aix-en Provence, site à la fois viticole et vinicole et ensemble muséal dont il a livré, en 2011, l’élément central… si l’on peut parler au singulier de cet édifice pluriel, caractéristique du registre à la fois dispersé et ­géométrique, merveilleusement équilibré, qu’adopte Ando face aux paysages.

La scénographie dessinée par l’architecte, avec la complicité de Frédéric Migayrou, parvient à faire oublier le hiatus radical qui existe, sans empêcher leur amitié et leur respect mutuel, entre l’imaginaire d’Ando et celui des architectes Piano et Rogers, très présent dans cette galerie. Au centre, Ando a placé un espace circulaire,...




                        

                        


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<filname="SURF-0,2-3246,1-0,0-12"> ¤ Ancien boxeur, le Japonais reste, à 77 ans, désireux de « se confronter physiquement à l’art ».
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Tadao Ando, architecte : « Rester en tension en permanence »

Ancien boxeur, le Japonais reste, à 77 ans, désireux de « se confronter physiquement à l’art ».



LE MONDE
 |    11.10.2018 à 09h03
 • Mis à jour le
11.10.2018 à 09h47
    |

            Isabelle Regnier et 
                                Frédéric Edelmann








                        



                                


                            

A quelques heures du vernissage, tandis que l’on finissait d’installer, sur la façade sud du Centre Pompidou, une réplique du célèbre mur de béton fendu d’une croix de son église de la Lumière (Ibaraki, Japon), ­Tadao Ando réchauffait les murs blancs de l’intérieur en y griffonnant des petits croquis aux feutres de couleur. Au milieu des maquettes réalisées par les artisans de son agence d’Osaka, devant les vidéos de l’île de Naoshima où, depuis trente ans, il construit un fabuleux archipel muséal, l’architecte japonais nous a donné de ses nouvelles. Elles sont bonnes. Vainqueur, à 77 ans, d’un cancer qui l’a conduit, raconte-t-il avec stoïcisme, à se faire retirer cinq organes, le Prix Pritzker 1995 aspire à une forme de jeunesse éternelle. Lançant lui-même l’entretien, il a tenu à rendre hommage à la France, à sa culture, à cet esprit de résistance qu’on lui associe parfois et à François Pinault pour qui, après une série de projets vénitiens, il œuvre aujourd’hui à réinventer la Bourse de commerce à Paris.

Etant jeune, vous avez été boxeur professionnel. La lutte était-elle déjà votre moteur ?
Je suis devenu boxeur parce que nous avions des difficultés financières. Je ne pouvais pas aller à l’université. J’ai vu un match de boxe à la télévision, je me suis dit que c’était quelque chose que je pouvais faire : j’aime bien lutter, et en plus ça rapportait de l’argent. En mai 1968, j’étais à Paris par hasard. Voir tous ces gens en lutte contre le système m’a appris à quel point il est important de se battre. Je ne conçois pas le travail autrement.
On peut faire un lien entre la boxe, la tension à l’œuvre sur le ring, et votre conception de l’architecture, où le corps se trouve soumis à des jeux de forces complexes…
A l’heure où tout le monde vit avec un smartphone à la main, c’est très important de se confronter physiquement à l’art, à l’architecture. L’architecture apporte des réponses aux...




                        

                        


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<filname="SURF-0,2-3246,1-0,0-13"> ¤ Le Centre Pompidou à Paris rend hommage à cette figure marquante de l’architecture contemporaine.
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<filname="SURF-0,2-3246,1-0,0-14"> ¤ Le groupe présente en tournée son sixième album, avec des allusions au flamenco, au tango et à l’électro.
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Les frères palestiniens du Trio Joubran élargissent leur horizon musical

Le groupe présente en tournée son sixième album, avec des allusions au flamenco, au tango et à l’électro.



LE MONDE
 |    11.10.2018 à 08h20
 • Mis à jour le
11.10.2018 à 16h18
    |

                            Patrick Labesse








                        



                                


                            

Une allusion au tango, une autre au flamenco, un air de piano (Vincent Taurelle), un orchestre symphonique macédonien, une brume de synthés, la voix d’un chanteur iranien (Mohammad Motamedi)… The Long March, le sixième et remarquable album du Trio Joubran, trois frères oudistes palestiniens, annonce-t-il un tournant, chez ces joueurs de luth oriental (accompagnés par leur compatriote percussionniste Youssef Hbeisch) qui ont fêté leurs dix ans de carrière à l’Olympia, en 2013 ? « Nous voulons toucher un public plus large, atteindre une nouvelle génération, mais l’identité du trio reste inchangée », nuancent d’une seule voix les trois frangins – Samir (45 ans), Wissam (35 ans) et Adnan (33 ans) –, quand nous les rencontrons à Montpellier (Hérault), où ils ont suscité l’enthousiasme en clôture du festival Arabesques, le 23 septembre.

Pour les accompagner dans cette ouverture, leur entourage professionnel les a mis en relation avec le producteur Renaud Letang (Manu Chao, Keren Ann, Seu Jorge, Susheela Raman, Mathieu Boogaerts, Blick Bassy, Philippe Katerine…). « Je les ai incités à composer de vraies mélodies, qui peuvent se retenir et être chantées par les gens, explique-t-il. Avec l’idée de faire quelque chose de beau, mystique et positif. »
Roger Waters, ex-bassiste et chanteur de Pink Floyd : « Travailler avec le Trio Joubran était une expérience incroyable, une vraie récompense »
La participation à The Long March de Roger Waters, l’ancien bassiste et chanteur de Pink Floyd, témoigne également de cette volonté d’élargir leur horizon. Samir Joubran jubile, en nous montrant le message, ­conservé comme un trophée, que lui a envoyé celui-ci par WhatsApp. « Travailler avec le Trio Joubran était une expérience incroyable, une vraie récompense », y écrit le musicien britannique. Celui-ci signe et scande le texte de Carry The Earth, un...




                        

                        


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<filname="SURF-0,2-3246,1-0,0-15"> ¤ Le téléfilm consacré au scribe mutique d’Herman Melville est sorti de l’oubli, avec l’INA, dans la collection « Ciné-Club TV ».
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DVD : le bouleversant « Bartleby » de Maurice Ronet

Le téléfilm consacré au scribe mutique d’Herman Melville est sorti de l’oubli, avec l’INA, dans la collection « Ciné-Club TV ».



LE MONDE
 |    11.10.2018 à 07h48
 • Mis à jour le
11.10.2018 à 09h35
    |

                            Mathieu Macheret








                        



   


De Maurice Ronet (1927-1983), l’on connaît surtout les rôles mémorables de salaud magnifique, de séducteur sans scrupule ou de dandy suicidaire, dans ­Ascenseur pour l’échafaud (1958) et Le Feu follet (1963), de Louis Malle, La Piscine (1969), de Jacques Deray, La Femme infidèle (1969), de Claude Chabrol. On sait moins, en revanche, que cet acteur à la personnalité intempestive, féru de littérature et compagnon de route des « hussards » (mouvement littéraire informel des années 1950, avec Roger Nimier comme chef de file), fut aussi réalisateur d’une poignée de films, dont un remarquable documentaire animalier sur les varans de Komodo (Vers l’île des dragons, 1973).
On lui doit surtout un long-métrage stupéfiant, Bartleby (1976), d’après la fameuse nouvelle d’Herman Melville (1819-1891), réussite extraordinaire qui ­demeure l’une des plus belles et fidèles adaptations à l’écran d’un texte de l’écrivain américain. Cette rareté produite par la télévision publique (Antenne 2) et depuis injustement oubliée vient d’être judicieusement éditée en DVD avec l’INA dans la collection « Ciné-Club TV » consacrée aux grandes œuvres de l’audiovisuel français.
Maurice Ronet prend le parti de transposer l’intrigue dans le Paris bruyant et affairé des années 1970
Le personnage de Bartleby, clerc effacé et mutique d’un notaire de Manhattan qui parasite tout le fonctionnement de son étude par une simple petite phrase, « I would prefer not to » (« Je ne préférerais pas »), accueillant chaque demande qu’on lui fait, connut une riche postérité critique (Blanchot, Deleuze, Derrida, Agamben…) qui vit en lui une figure moderne du refus, du renoncement ou de la résistance passive. Maurice Ronet prend le parti de transposer l’intrigue (initialement racontée comme un témoignage à la première personne par le personnage du notaire) dans le Paris bruyant et affairé des années 1970, et confie le premier rôle – cette fois celui d’un huissier – à un Michael Lonsdale génial de flegme autoritaire et de maintien désarçonné.
A deux pas du Palais Brongniart, l’huissier règne sur une petite étude en sous-effectif, croulant sous les dossiers, et recrute dans l’urgence un énergumène blafard nommé Bartleby (Maxence Mailfort, présence « creuse » et magnétique) venu se présenter pour le poste. L’homme abat d’abord et sans broncher une quantité considérable de travail, des tâches ingrates de copiste, avant d’en refuser certaines puis de s’enfermer bientôt dans une inactivité complète, à la grande indignation de ses collègues. Or l’huissier se trouve complètement démuni devant cet homme, dont il découvre qu’il séjourne au bureau et dont l’existence se réduit à presque rien. ­Incapable de le renvoyer, troublé au cœur de sa conscience, il laisse son étude dépérir. Les clients fuient, les clercs démissionnent, les locaux se vident, mais ­Bartleby demeure indélogeable, comme reclus en lui-même.
Satire mordante des bureaux
Le film de Maurice Ronet se distingue en cela ; qu’il retourne à son avantage d’évidentes contraintes budgétaires et logistiques (décors réduits, petite troupe d’acteurs, tournage rapide) en un quasi-huis clos, porté par l’interprétation des comédiens et l’efficacité des dialogues. S’ouvrant sur une satire mordante des bureaux, petit monde étroit et renfermé sur lui-même, où le grotesque le dispute à la médiocrité, le récit bascule ensuite dans une étrangeté glissant par paliers à la lisière du fantastique et débouchant sur d’insondables vertiges existentiels.
Bartleby « ne préférerait pas » faire ceci ou cela, et rompt ainsi la logique de subordination, la chaîne de l’ordre énoncé et de son exécution, au fondement même de l’organisation sociale. Mais le véritable objet du film, c’est évidemment le trouble de l’huissier (le « chef », l’autorité), la désintégration de son prestige social sous l’effet pathogène de la présence butée de Bartleby, reconnaissant en lui le sous-fifre, le misérable, quelque chose de son propre néant intérieur. « Que savez-vous de votre douleur en moi ? », l’interrogera-t-il lors d’une scène bouleversante, scellant l’inversion des rôles entre le maître et l’esclave. Il y a, en effet, quelque chose de masochiste dans le personnage de Michael Lonsdale. Son étrange fascination pour son protégé récalcitrant n’est peut-être pas si éloignée, dans le fond, d’un violent transport amoureux.

Film français de Maurice Ronet (1976), 1 DVD Luna Park Films. Sur le Web : lunaparkfilms.blogspot.com/2018/03/bartleby-maurice-ronet.html



                            


                        

                        


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<filname="SURF-0,2-3246,1-0,0-16"> ¤ Laurent Bonelli et Fabien Carrié ont épluché les dossiers judiciaires ou sociaux de mineurs radicalisés pour en comprendre la trajectoire.
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Sociologie. Ce qui fait le djihadiste

Laurent Bonelli et Fabien Carrié ont épluché les dossiers judiciaires ou sociaux de mineurs radicalisés pour en comprendre la trajectoire.



LE MONDE
 |    11.10.2018 à 07h30
    |

                            Gilles Bastin (Sociologue et collaborateur du « Monde des livres »)








                        



                                


                            
La Fabrique de la radicalité. Une sociologie des jeunes djihadistes français, de Laurent Bonelli et Fabien Carrie, Seuil, 304 p., 20 €.

Le retour du terrorisme djihadiste en France, avec les assassinats perpétrés par Mohammed Merah en 2012, puis les attentats commis depuis 2015, s’est accompagné d’une production foisonnante d’écrits aspirant à saisir le sens de cet événement, non sans céder souvent au démon de l’interprétation, à coups de théories psychologisantes et de paniques morales incriminant la jeunesse, les banlieues délinquantes ou ­Internet. Le « nihilisme générationnel », l’« islamo-gangstérisme » ou le « terrorisme 2.0 » se sont alors fait une place dans le débat public.
Très nombreux entretiens
La Fabrique de la radicalité, de Laurent Bonelli et Fabien Carrié, est d’une tout autre espèce. Il s’appuie en effet sur une enquête fouillée dans les dossiers de plus de 130 mineurs ayant, à un moment ou à un autre de leur parcours, été suivis par la justice et les services sociaux pour des faits de radicalisation allant de simples propos faisant l’apologie du terrorisme à la préparation d’attentats ou à un départ vers l’Irak ou la Syrie pour rejoindre l’organisation Etat islamique. Les deux sociologues ont en outre mené de très nombreux entretiens avec les éducateurs, les policiers ou les juges qui ont côtoyé ces jeunes.
Forts de cette enquête et du travail antérieur de ceux qui, comme eux, ont cherché à comprendre avant de juger – on pense par exemple au travail du journaliste David Thomson (Les Revenants, Seuil, 2016) ou à celui du sociologue Fabien Truong (Loyautés radicales, La Découverte, 2017) –, Bonelli et Carrié distinguent quatre grandes trajectoires de radicalisation.
La première, qu’ils qualifient de « radicalité apaisante », est principalement le fait de jeunes filles issues de familles marquées par l’instabilité. La recherche...




                        

                        


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<filname="SURF-0,2-3246,1-0,0-17"> ¤ La chronique de Catherine Malabou, à propos de « La Part sauvage du monde. Penser la nature dans l’anthropocène », de Virginie Maris.
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Mutations. La nature à jamais

La chronique de Catherine Malabou, à propos de « La Part sauvage du monde. Penser la nature dans l’anthropocène », de Virginie Maris.



LE MONDE
 |    11.10.2018 à 07h30
 • Mis à jour le
11.10.2018 à 09h30
    |

                            Catherine Malabou (Philosophe)








                        



                                


                            
La Part sauvage du monde. Penser la nature dans l’anthropocène, de Virginie Maris, Seuil, « Anthropocène », 272 p., 19 €.

« Nous voilà entrés, et avec nous la Terre tout entière et chaque être qui la peuple, dans l’ère de l’humain, l’anthropocène. Nous serions – enfin ! – partout chez nous. » Ces premières phrases de La Part sauvage du monde, de la philosophe Virginie Maris, ne manquent pas d’inquiéter. Que signifie cette ironie vis-à-vis de l’anthropocène ? S’agit-il d’une nouvelle négation du changement climatique et de la crise écologique ? Il n’en est rien.

Forgé par l’écologiste Eugene F. Stoermer et popularisé par le chimiste Paul Crutzen, le terme « anthropocène » caractérise le moment où l’influence de l’homme sur l’écosystème terrestre est devenue assez importante pour ouvrir une nouvelle ère géologique. Longtemps discuté par les scientifiques, l’anthropocène a été officiellement admis par la Commission internationale de stratigraphie en août 2016. Pas question ici, donc, de le contester. Le motif du livre est bien plus subtil, plus surprenant aussi : l’officialisation de l’anthropocène ne serait qu’une manière de poursuivre la domination de l’homme sur la nature, non de la dénoncer.

L’altérité résistante du monde
Retraçant l’histoire de ces dominations successives, depuis le « devenir maître et possesseur de la nature » de Descartes jusqu’à la révolution industrielle du XIXe siècle, Virginie Maris affirme que toutes les prises de conscience et actions écologistes, censées « protéger » la Terre, ont été et sont encore, paradoxalement, des entreprises de domination. En effet, que protège-t-on lorsqu’on protège la nature ? La nature elle-même ou les interactions des êtres humains avec elle ?

Incapable de penser et de respecter l’altérité résistante du monde, cette « part sauvage » qui ne lui appartiendra...




                        

                        


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<filname="SURF-0,2-3246,1-0,0-18"> ¤ L’historienne des idées Marie-France Piguet retrace la généalogie de ce terme né au XIXe siècle et aussitôt utilisé dans les querelles entre conservateurs et progressistes.
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« Individualisme », mot polémique

L’historienne des idées Marie-France Piguet retrace la généalogie de ce terme né au XIXe siècle et aussitôt utilisé dans les querelles entre conservateurs et progressistes.



LE MONDE
 |    11.10.2018 à 07h30
    |

                            Serge Audier (Philosophe et collaborateur du « Monde des livres »)








                        



                                


                            
Individualisme. Une enquête sur les sources du mot, de Marie-France Piguet, CNRS Editions, 192 p., 22 €.

De l’individualisme, il est souvent question aujourd’hui. Pourtant, ce mot faussement évident recouvre des ambiguïtés. Comme le révèle la généalogie que publie aujourd’hui l’historienne des idées Marie-France ­Piguet, cette complexité est comme sédimentée depuis l’invention du terme et les batailles autour de son sens.
La première apparition remonterait à 1815. Ou presque, puisque c’est l’« individuellisme » qu’évoque un certain baron de Frénilly, qui dénonce « l’universel égoïsme », fléau d’un âge ayant « brisé tous les liens » en dissolvant la religion, la famille, la patrie et tout « esprit de corps ». On attribue parfois à Joseph de Maistre (1753-1821) l’invention du mot « individualisme » lui-même, que le contre-révolutionnaire aurait utilisé sur le tard. En vérité, le néologisme vient des souvenirs d’un interlocuteur, mais le sens est présent dans ses paroles : déploration d’une « division des esprits », du « morcellement des doctrines », et réquisitoire contre le « protestantisme politique » poussé jusqu’à « l’individualisme le plus absolu ».
Conservateurs et socialistes
Ici s’esquisse la critique globale dont le mot est porteur, visant la liberté religieuse, intellectuelle, morale et politique. Elle sera relayée par des cercles conservateurs, antiprotestants et anti-Lumières, prendra parfois un tour plutôt économique et social, et trouvera des formulations chez un socialiste comme Pierre Leroux (1797-1871) ou un libéral atypique comme Alexis de Tocqueville (1805-1859), inquiet du déclin de la vie civique.
Au reste, le mot n’est pas toujours péjoratif, et son évaluation devient vite un thème de controverses. On en repère une trace précoce dans une brochure de la charbonnerie, cette société secrète antimonarchique...




                        

                        


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<filname="SURF-0,2-3246,1-0,0-19"> ¤ La chronique de Roger-Pol Droit, à propos d’« André Leroi-Gourhan (1911-1986). Une vie », de Philippe Soulier.
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Figures libres. Leroi-Gourhan, de la préhistoire à nos jours

La chronique de Roger-Pol Droit, à propos d’« André Leroi-Gourhan (1911-1986). Une vie », de Philippe Soulier.



LE MONDE
 |    11.10.2018 à 07h30
 • Mis à jour le
11.10.2018 à 09h20
    |

                            Roger-Pol Droit








                        



                                


                            
André Leroi-Gourhan (1911-1986). Une vie, de Philippe Soulier, CNRS Editions, 648 p., 27 €.

Il y a sans doute des lecteurs pour qui le nom d’André Leroi-Gourhan (1911-1986) n’évoque plus rien. D’autres savent qu’il s’agit d’un ethnologue, spécialiste de la préhistoire, qui s’est principalement illustré par des réflexions novatrices sur les outils, leurs usages et sur l’évolution de l’espèce humaine. Toutefois, à part au sein de quelques cercles experts, il semble qu’on méconnaisse souvent la richesse de sa trajectoire et la diversité de son œuvre. C’est pourquoi l’imposante biographie que lui consacre aujourd’hui Philippe Soulier est fort utile.
On y découvre comment un adolescent des Années folles quitte l’école à 14 ans, reprend des études, apprend le russe et le chinois, collectionne très tôt quantité d’objets, suit les cours du sinologue Marcel Granet et de l’anthropologue Marcel Mauss. Il se passionne pour les Eskimos, et publie en 1936, à 25 ans, La Civilisation du renne (Gallimard). Derrière les imperfections et les maladresses d’un travail de jeunesse, cette étude incarne une volonté claire : confronter milieu naturel et monde humain, saisir leur interaction complexe. Cet axe organise tout l’œuvre à venir.
Envoyé en mission au Japon (1937-1939) par le Musée de l’homme, maquisard pendant la seconde guerre mondiale, catholique fervent et convaincu, Leroi-Gourhan se consacre ensuite à la paléontologie, au sein du CNRS, puis du Musée de l’homme. Il enseigne à l’université de Lyon, puis à la Sorbonne, avant d’être élu au Collège de France, où il professe de 1969 à 1982. Affaibli par la maladie de Parkinson, il s’éteint en 1986, après avoir profondément marqué l’étude de la préhistoire et de l’art pariétal mais aussi, plus largement, notre représentation de l’humain.
Un intellectuel atypique
Car ce chercheur de terrain, qui multiplie fouilles et chantiers, fait aussi, à sa manière,...




                        

                        


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<filname="SURF-0,2-3246,1-0,0-20"> ¤ Les lettres du jeune Heinrich Böll (futur Prix Nobel de littérature 1972) et un roman de Heinz Rein montrent la guerre vue par des Allemands dociles – avant un sursaut final.
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Heinrich Böll et Heinz Rein, petits soldats du IIIe Reich

Les lettres du jeune Heinrich Böll (futur Prix Nobel de littérature 1972) et un roman de Heinz Rein montrent la guerre vue par des Allemands dociles – avant un sursaut final.



LE MONDE
 |    11.10.2018 à 07h15
 • Mis à jour le
11.10.2018 à 09h18
    |

            Nicolas Weill








                        



                                


                            
Lettres de guerre. 1939-1945, de Heinrich Böll, traduit de l’allemand et édité par Jeanne Guérout, préface de Johann Chapoutot, L’Iconoclaste, 368 p., 22,90 €.
Berlin finale (Finale Berlin), de Heinz Rein, traduit de l’allemand par Brice Germain, Belfond, « Vintage », 870 p., 23 €.

Le hasard a voulu qu’un recueil de lettres écrites pendant le second conflit mondial et un roman sortent simultanément et se répondent, mariant le réel à la fiction. Il s’agit, d’une part, de la correspondance des années de guerre du jeune soldat, futur Prix Nobel de littérature (1972), Heinrich Böll (1917-1985), et, d’autre part, de Berlin finale, immense fresque romancée du journaliste Heinz Rein (1906-1991), consacrée aux quinze derniers jours de la capitale du IIIe Reich, parue en 1947 et qui ne nous parvient que cette année en français. Courriers et récit nous font voir les combats à travers les yeux d’Allemands et de soldats de la Wehrmacht.
Paresse du cœur et de l’esprit
Né dans une famille d’ébénistes de ­Cologne, lui-même fervent catholique (soldat, il ressent l’impossibilité de recevoir les sacrements comme une pénible frustration), le jeune Heinrich Böll s’est soustrait aux Jeunesses hitlériennes et n’a que mépris pour les « Prussiens », terme qui, sous sa plume, semble désigner le militarisme hitlérien. Il fait pourtant son devoir, croit en la victoire de son pays et, comme tant de jeunes gens de sa génération, passe six années sous l’uniforme à occuper la France ou à surveiller le « mur de l’Atlantique ». Son expérience du feu en tant que caporal-chef est tardive et coïncide avec son arrivée, fin 1943, sur le front de l’Est, en Crimée puis à Iasi ­ (Roumanie), où il est blessé.
Passionnant témoignage sur l’Occupation en France vue par un occupant pas trop mal disposé à l’égard des populations civiles, le ton...




                        

                        

